什么是后期？在影像信息发达的今天，后期的地位如何？在摄影门槛越来越低的今天，后期是什么情况？
今天的后期已经被“破坏”得太严重了。随便搜一下，可以看到很多人认为后期就是照片结构的调整，色调的调整，艺术的修饰，也就是合成。甚至有人认为，照片拍得不好，通过后期的照片就变得优秀了。这怎么可能呢？
02摄影在后期的作用
后期是前期的辅助，是锦上添花，前期是核心。前期拍摄质量不能太差，后期有发挥空间。很多后来的教程和老师都是打着“拯救废片”的旗号，这个观念一直有问题。如果所有的电影都毁了，我们还能挽回什么？他们说的废膜大部分根本不是废膜。真的给你一个废片，除了翻拍还能做什么？所谓变废为宝，三分钟学习后期的秘诀，只是标题党。所以对后期一定要有正确的认识。
为什么摄影师那么多，却没有所谓的后期大师和后期艺术家？因为他们的水平跟以前的高手没法比。这个过程有点像摄影和绘画刚诞生时的对比。那时候画家看不起摄影师。随着摄影的发展和地位的上升，没有人会把后期推到台前？一部优秀的作品指的是摄影师拍出来的东西，幕后的后期团队和技术能力很少被提及。摄影前期到位，后期是一个概念上的打磨。
03摄影后期是什么？
后期的关键在于无中生有的“想象”。它不是基于空，而是需要一个美学和哲学体系的正确支撑。
其实后期是一种想象，和画画一样。为什么同样的照片，同样的软件，后期效果差别那么大？关键问题是使用软件的人对颜色的概念和图片之间的布局的理解不一样空。
这凭空就相当于画一张白纸，每个人都画一个红瓶子。最后100个学生不可能都画出一样的色相，总会有一些偏差。
一个人的人生经历，受过什么样的审美和哲学教育，就会说什么样的话，做出什么样的作品。
想象力不是空的创意，也不是ps合成。就是拍摄前先想好的主题，如何实施的过程，想要的效果。
摄影师在创作东西的时候，都有自己先入为主的概念在里面。绘画也是如此。每个人看到的和表现出来的完全不一样。
雷诺阿和莫奈素描的时候，两个人坐在同一个位置，在同一个风景里，画面效果完全不一样。雷诺阿的镜头更近，笔法更长，主要人物更居中，细节更细致；莫奈对色彩的运用更加细腻明亮，整体感觉更加真实。通过这个例子我们会发现，关注度不同，最终呈现的画面也完全不同。
拿到一张照片后，前后期工作者的审美和哲学教育思维，他的人生经历和三观都会对最终的影片修改产生很大的影响。尤其是摄影师和后期不是同一个人的时候，工作衔接难免会出现不连贯的情况。后期工作人员没有摄影师的创作激情和情怀。对于他们来说，修片只是工作，根本没有任何情感。这样最终的作品很难达到摄影师最初的预期。
相反，我是独立摄影师，相对自由。前期拍的时候就已经想好了后期要做什么。无论是借鉴、模仿还是创作，甚至是突发灵感，都会有自己的方式和风格。和后期拍摄一气呵成。
04年底你在干嘛？
就是后来广义上的“素描关系”，即事物的对比或对比关系。
有人认为是混色合成，其实不是。虽然很多人是被调色和合成吸引来学习后期的，但是调色和合成只是后期的一小部分。
很多人后来开始学的时候，总觉得自己不如别人漂亮。经常觉得别人拍出来的照片真的很牛逼，配色很棒，构图也更好。开始学的时候发现，当构图最终落地，照片完成，创意和激情会被多年的反复操作磨平。因为使用频率最高的无非就是换天气，换地，换水，换浮纱。没有其他创造性的合成。除非你进入4A级别的广告公司，否则你可能会用到一些点子。
而且确实有很强的视觉冲击力。在我理解后期之前，好像所有照片都要调色换颜色。其实归根结底还是加了对比度:对比度增强和降低的时候，颜色的色相已经发生了一些变化。所以后期最关键的问题是广义上的素描关系。就是我们经常强调的对比，或者说事物的对比关系。
画面中的对比不是一个，不同颜色的元素是对比，主体和背景是对比，等等。需要延伸一张平面照片，一层一层打开。就像我们小时候的立体贺卡。你们在一起是一个平面的2D，但是当你展开这张贺卡时，它会被分成一层层的。把一张照片想象成一个三维空房间，因为这是前期在三维空房间里拍的照片。后期一定要把它想象成立体的形式，然后素描关系就上升到技术层面了。
阴影和色调
浓淡大于色调，黑白灰大于色彩。没有调不出来的颜色，只有乱七八糟的色调。黑灰不确定，颜色必然混乱。
任何接受过一些绘画教育的人都有这样的经历:在绘画之前，他们可能会被色彩所吸引。但是上来就涂颜色是不允许的。你要经过素描，画黑白，素描，再素描。素描的基础打好了，接下来就可以开始画颜色了。
所谓色调大于色调，是指黑白灰素描的关系大于任何色彩关系。白灰大于色，大于色。后面的很多时期都是比较关系。有些照片看起来是灰色的，但黑色的台阶和阴影不会下沉。一些黑暗的部分必须下沉。不仅是新手，有经验的摄影师或者后期摄影师也会经常犯这个错误。
我们在日常生活中观察世界，尤其是在晚上。路两边都有路灯，重点只在能看到的路面上。谁会关注道路两旁找不到灯光的黑暗区域？人的眼睛不太注意这些很暗的部分。没有人会在看一张照片的时候发现暗部并盯着它看。因为它本身在画面中并不是很重要。
虽然没那么重要，但是这些暗部不沉，不能和其他亮部形成对比，整个画面的色调就会乱了。归根结底，就是这个关键的“对比”问题没有搞清楚。说的更清楚一点，黑、白、灰都不是确定的。所有颜色都是灰色，又脏又乱。颜色乱了，对比不到位，整张照片当然是灰蒙蒙的。但是，暗部肯定是有层次的。如果暗部没有细节，是不能接受的。
06后期是一种清洗。
后期的正确处理不是合成，不是调色，而是一种“清洗”。这里说的清洁，不是用污渍修复刷工具去除斑点，也不是用图章工具修复，而是按下就变暗，提亮就提亮，去掉就去掉，加上就加大。这里说的暗、亮、增、减，其实就是空之间的一种对比关系，也就是我们前面说的素描关系。
比如说。很多人会犯一个错误，冒着生命危险去点亮光明的部分。当接收到这种光时，面部光源显得明亮。事实上，如果你想让胶片看起来更亮，不是提高光线或白色色阶。他们会曝光过度。如果你想让他的结构更明显，通常是高光还原，你会发现高光还原后它的结构关系明显很多。高光掉落后，五官结构点上的亮点都会出来空，之前高光的感觉也会回收。
一张照片想要获得光感，并不是说要一味的增强高光或者白色阶，而是要适当的增强对比关系。当你降低高光，然后用相应的黑色色阶下沉，提一下阴影。此时，整张照片的对比和结构关系会比原片大大加强。同时适当抬高一些白色的色阶，或者全身裸露。这时候整个五官的结构，包括高光点的确认，暗部的确认，都会比以前好很多。
我们在修剪和调色的时候，高光并不代表越来越亮。相反，我们应该将周围的环境变暗，以突出高光的亮度。为什么白天看不到星星空，晚上天空却布满了星星？这些星星白天也是真实的，为什么看不到呢？因为我们周围的环境太亮了。一切都是对比，只有周围环境黑暗，才更容易获得光感；反之，较亮时，几乎没有光感。
当我们拿到照片，看到明亮的色调，我们的第一反应不是让它变亮，而是让周围变暗。包括制造中性灰。看中性灰之后的图层。如果里面白刷太多，那就是百分百错了。当然，黑刷太多也是不对的。有些极端的例子，整个后期几乎都是黑刷，严重到高光几乎被覆盖。
无论白、黑画笔太多，黑、白、灰之间的平衡都会被打破，会出现问题。一般情况下，黑刷的比例在60%左右，也就是以黑为主。如果超过这个值，甚至达到80%以上，就有问题了。想象一下太白，也就是太亮，相当于之前的过度曝光，没有任何层次的对比，画面很平；太黑了，也是这样。
07年末的真正含义
把照片的物理结构有序地引导到视觉主体上。我们要分出主次，远近，通过后期的手段，让一部普通的电影有代入感，空间感和层次感。这是我们以后要做的。
后面的技术是一个接一个的干扰。什么是伟大的力量？我应该学什么？
人的精力是有限的，我们不可能掌握所有的知识。在有限的生命中，只有走对路，吸收有用的营养，才能不断进步。
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