1978年诞生的KAI是位香港女漫画家及插图家（真名：欧启斯）。95年时值17 岁，参加台湾东立漫画比赛，获得新人奖的佳作奖；其后陆续发表过《勇者大冒险》、《侦探物语· 柲λ箘场》、《School Day》等作品，并曾以「小黑」为笔名，为赤川次郎、唯川唯作品等多部中外小说、散文集绘画封面及插画。2005年发表《十五二十》后，2006~2007年参与本地卡牌游戏《翠绿领域~来自幻世的前奏曲》的绘图制作，是作多产、风格多变及多元化的漫画家。KAI亦积极参与香港同人志活动，1999年与友人组成同人组织「PK²」，发表处女作品「赤道与隍驹系列」，2007年CW23推出最新的第45期，受到香港同人志界喜爱。
主要作品：
《剑农》 1999年发表于《(PK)2Vol2》
《人鱼越过电车路》 1999年发表于《火烧连环图》
《Let’s fly without wings》 2000年发表于同人志《A to Z》
《纵火狂徒》 2000年发表于《(PK)2Vol3》
《My Dog》 2001年发表于网站《e-mag》
《AIRMAIL》 2001年发表于网站《e-mag》
《4p》 2001年发表于同人志《Healthy Homo》
《勇者大冒险》 2001年发表于漫画志《COCO!》
《侦探物语·福尔摩斯剧场》 2001-2003年发表于漫画志《COCO!》
《剑农田园一日游》 2002年发表于漫画志《(PK)2Vol4》
《森之王．海》 2003年发表于漫画志《COCO! 》
《臭》 2003年发表于漫画志《漫画家》
《无疆界儿童助养计划》 2003年发表于漫画志《漫画家》
《快递》 2003年发表于漫画志《漫画家》
《小蛮的剑》 2003年发表于漫画志《漫画家》
《schoolday》 2004年发表于漫画志《糖果子》
《十五二十》 2005年发表于《speedup》
有哪些知名的漫画家自画像？
论画风不变，谁与争锋，十年也太短。从提笔开始，即便历经了近40年的岁月，几十年如一日德
亚斯。
那伴随着荒诞无稽的独特画风，至今仍然一如既往的＂犀利＂。不光是人物形象，包括剧情和分镜
设计，都一成不变。
我也不知是在夸他，还是在diss他。
同一作品前后期的变化，我倒觉得比起画风变换 来说，精致变换更为贴切。因为，风格还是那个风格，见角色如见作者。
发生变化的是在连载中的不断改进，或者从众多其他后起之秀的风格中，吸取一些新鲜血液融入其中。作者整体的格调，一般不会大变脸。至少绝大多数名家皆如此。
有很多不同漫画家作画其他角色的图，也恰好说明了画风代表着作者本身，见画如见作者是不成文
的规则了。包括车田在内，荒木，原哲夫，北条司 （尤其是他笔下的女性）等，诸如这些类型的画风都是极
度耀眼的。
面对这类作家的作画，尽管可能某人作画并不太优秀，但不可否认的是，见画如见人的特点被发挥
到了极致。
画风，作画风格 。除了人物形象，与人物相关的一系列行为，同样都是作画风格的一环。车田正美 在网上被叫做车田御大的原因，其原因是在这方面有着极为独特的风格。关键是不随时
代改进，几十年来未变过。
御大有领头羊的意思。这不是对作画，故事构思等方面的评价，很明显他也不符合。这代表了他是
破天荒方面的先驱者。
他的这些风格主要体现在几个方面。
即便换个非车田风的角色，但从这些行为表现仍然可以一眼
就看出，这就是车田风。
最具代表的挨揍风格，被称之为车田飞坠模式 的仰望天空飞升，与脸着地的下坠，尤其是后者可
谓是独一无二。编故事不在行，作画也就那样了。但至少在其他方面得有那么些特色，车田就这么干了。他的画风
确实也达到了极致的见画如见人。
车田的这种画风不仅自己一直延续，同时感染有些续作作者和同人作者，都在模仿。你看人家法国
人就不一样，人家直接模仿动画版的精美作画风格。甚至许多画风改变的作品，也是越来越为情节服务。这方面，《浪客行》的读者自然懂得，小次郎篇开始的画风剧变，与故事内核是紧密相关的。
当然，这就要说到手冢治虫文化奖第一届的获奖巨作了。
那是一个最典型的数十年风格基本保持一致，有微调但大致保持统一，大家都极为接受，刻入骨髓，刻入看漫画的DNA，甚至觉得不变才是最好最正宗的代表作品。
以下是安达充 笔下的主要作品的主角，从80年代的作品到目前还在连载的都可以看得到，其实看
的时候没感觉，一个一个找到以后还是发现角色的脸型虽然变化不大，但是发型感觉还是跟着审美
潮流在变化。他是首开水墨先河，是单枪匹马闯入日本漫画界的亚洲至宝。1986 年，郑问将传统国画中的
水墨技法融入漫画中，以司马迁《史记》同名篇章为蓝本，创作出世界上第一部彩色水墨漫画《刺客列传》。飘逸的水墨画风，人物表情的各个不同，郑问的水彩和狂放的走笔，让整个作品呈现出一股生命的
跃动感，豪迈、洒脱、狂放。还有与漫画编剧马利共同创作武侠漫画《阿鼻剑 》，气贯长虹的武侠故事与飘逸隽永的水墨画风
巧妙地合二为一，将武侠类型漫画开辟到全新境界。仅就少年漫画来说，大部分漫画家是画风不变的，只不过长期连载让画工和分镜有长进，后期画
面显得更精美。
在长期连载的压力下，漫画家并没有动力和余暇去改变画风，别说画风，就连漫画
家本身创作上的优缺点，基本上也是贯穿整个漫画生涯，行的总行，不行的他也改不了。
实际上少年漫画家的画风是如此固定，以至于大家一眼就能看出角色身上浓浓的漫画家个性标签，
画风就像老干妈，别说弄菜里，就算拌白米饭都是一股熟悉味儿。下面就是掺了“老干妈”的动漫
角色，我觉得常看少年漫的读者不需要下面的介绍也能看出是哪几个厨子的风格。不过既然是回答问题，那就搬个熟悉的漫画家当答案，尾田的画风就十年不变。恰好这人有个习惯就是漫画里引用过去内容时，他会重绘画面，而不是贴旧图了事。
那么顶上战争的最后，马尔科要甚平 “带着艾斯的弟弟快走”，当时是第59卷 第575话，单行本
出版于2010年8月9日。在鱼人岛 与甚平重逢时，路飞特意提到想感谢马尔科的救命之恩，这是第82卷 第820话，单行本
出版于2016年7月4日，相隔6年。
鸟山明是天赋使然，前期画圆润搞笑风，后期画凌厉战斗风全都是顺应编辑要求。井上雄彦是自身追求，在本已成熟的画风基础上，走向水墨写意风的研究画风不变的画师太多了，你说画风会变的，多半是刚入行没多久的年轻画手等自己的画风成熟了，基本就不变了。但也有一些超级牛逼的画手，会根据要画的内容自由自在的改变画风。
达芬奇 自画像
在显而易见中寻觅隐匿，可以激发沉睡在我们身体里最原始的猎捕直觉和嗅觉。如埃德加·爱伦·坡那封遗失的信中所言：真实，其实就在我们眼皮底下，我们看不见它，却正是因为它太明显。哪怕一点细小的遮掩就足以让我们寻它不见。
伦勃朗自画像
对于自画像而言，便是如此：当画家用画笔自我呈现的时候，犹如说道：“看，这就是我!”可是真的如此简单么事实远非如此，我们甚至可以断言，能够只用于表达“真实”的自画像其实少之又少。那些画家笔下的一幅脸部特写，或者全身像的描绘，无论其有意与否，总会让我们满心期待并充满好奇地去寻觅画像所隐藏，或者说作者在大胆表达的同时却试图隐藏的那些微小。
莫奈 戴贝雷帽的自画像
在那些伟大的画家中间，有些却是绝无意隐藏的，相反，其竭力向我们倾诉其所想表达的内容，他们所画的那些传世佳作让我们无不惊叹和追索其真正的含义。而正是这些我们所追索的含义似乎才是画像的精髓和生命所在，而最值得我们留心的，是那些画笔挥舞时不经意间流淌出来的些许执着与凝重。
如果说自画像的起源是指画者细致与不加修饰地留下自己的面貌特征(好比签名)，那么随着 In assistenza(一种意大利早期自画像风格)的出现，一切都有所改变。在这种作品中，画家在其画像中所表现出来的独特视角，着实让观者眼前一亮。
约翰· 辛格· 萨金特 自画像 油彩画布 70 cm×53 cm 1906 迪克里乌弗士画廊
需要首先明确的是，从那个时期开始，知名画家们中间初现权贵并自成新兴的社会阶层，同时，对艺术家的定义也不再只是简单的装饰品创作者，所有这一切的变化亦非一朝一夕所能发生，所以当创作场景出现并被画者引入构思的时候，这个时期的艺术家们会很快融入其中并以其独有的观察视角将其纳为己有并描绘出来。
亨利·马蒂斯 自画像
文艺复兴时期，是对创作构思和对早期画家作品创意再发现的时期，同样也是各种新探索、新尝试的时期，更是自画像艺术自成一体的时期。那些对古希腊罗马的艺术传承的再发掘，使我们对人与人所在的世界进行了重新审视。正如列奥纳多·达·芬奇在意大利数学家帕乔利经典名著《神圣比例》中所绘的经典插画，人逐步变为了万物主宰。同样，透视法的重新定义和玻璃制镜子的出现，再加上自14世纪末开始威尼斯艺术文化的流散与传播，人们对独立自画像的出现有了具体认识和新的思考。
同样是那个时期，哲学上的主体和客体开始相对而立，而对其深入的思考也拉开帷幕。
一、毕加索，在死前想要表达什么
正是因为毕加索，才让我对那片隐藏在画布后面的世界产生无比好奇。他的那些数量众多的自画像很显然，各自不同却又个个传神，如同他的其他作品一样，其“各个时期”作品变化广泛，这些作品，我们苦心收集、整理，使他们之间连接完整，正如同一部**放映由始至终一般。而这所有作品的总和，更好比一幅巨幅画面活灵活现地呈现在我们面前，映照出这位画坛巨匠的人生和他眼中的世界。
毕加索最后一幅自画像作于1972年
毕加索的自画像年代起始于1896年的西班牙巴塞罗那，即他15岁的青少年时期，止于1972年的法国穆然，即他92岁离世的前一年，在这些画像后面，毕加索仿佛一直在寻找着什么，对此，作为这位绘画奇才的挚友和知己皮埃尔·带的话让我们更加心中了然：“毕加索，那时候仍每天坚持绘画，直到有一天其第一次有了对死亡的预感，转而便开始了新一轮的自画像创作……显然，他被这来日无多，并无法用其手下的画笔表达完所有想要表达的现实所困扰不已。”
因此，当死亡临近的时候，这位传奇巨匠倾其心血于对自己的自画像创作上来。
我们不禁要问：到底是因为什么让他如此这般的迫切让我们再来听听皮埃尔·带是怎么说的：“毕加索，在他1923年第一次受访时，并未曾说过：‘我不是在寻找，而是在发现。’这其实是1926年以后的误传而已，他其实是这样说的：‘当我绘画创作的时候，我为的是展现我所发现的，而不是我所正在寻找的。艺术本身，创意并不足以支撑所有，如同西班牙语里的一句俗语，爱情，需要用行动表达，并不仅仅是简单的冲动，只说不练并不算数。艺术，虽是一种虚构，它却能让我们看清事物的本质，那最终让我们接纳并真正领会其含义的本质。’”
出自这位天才级画家之口的一段精辟归纳，连同他那些接近人生终点而创作出的传世之作，到底是要让我们“接纳并真正领会”什么含义，其本质又是什么
二、画自己，为了认识自己
答案，却是梵高给了我们。这位勇敢的画者，信奉世间从来没有什么不可能，在他写给弟弟特奥的信里说道：“但愿你懂得我对于艺术真挚的理解”，“想要抓住艺术的本质，这需要时间的检验和卓绝的刻苦。”
自画像(油画) 1889年 梵高
梵高，或与毕加索形成某些对比。率直却饱受磨练的梵高或许并无过人的天赋异禀，但他在仅约十年间的绘画生涯中，不懈地努力和发掘自己，提高技艺，尤其在自画像方面，如同在不富饶的土地上开垦并辛勤耕耘，从而最终收获丰盛的果实。其第一幅画像完成于1886年的巴黎，尽管他穷困潦倒更无章可循，但他还是迷恋上了让他从此一发便不可收的自画像创作。在主动要求被关进坐落在法国小镇圣雷米的一座疯人院后，他的最后一幅作品亦完成于那里。
一次他给特奥的信中写道：“虽然不易，但如果有一天我能画好自己的肖像，那我就能轻松画出这世间其他红男绿女的肖像了。”接着在1889年的9月，他又写信补充道：“人们常说能够看清楚自己不易，我对此深信不疑，而想要画出自己亦不轻松!”
当面对这世间红男绿女，挥笔已如信手拈来时，梵高开始了其对绘画“艺术本质”的追求以及其对自己的重新认识。不得不说，这是个艰难的过程。在这短暂的时期内，他完成了39幅自画像，我们不难觉察到，这其中的一些画卷，其实是在试图掩盖那些画家难以用语言倾吐的秘密和不轻松。
三、映照在池水面上的“艺术”
古老，如同日出时被沙石遮住的第一道光影，亦如生命之泉畔，人或动物依水而栖，当自己的形影被倒映出来的时候，这如同自画像般的身影开启了人类对艺术思索的漫长历程。
我们应该感谢文艺复兴时期首屈一指的艺术理论家和思想家莱昂·巴蒂斯塔·阿尔伯蒂给我们带来的这静谧般地启示，他在1435年其绘画理论之论述《De Pictura》中写道：“人类史上首先进行绘画的，应该是那个变成水仙花的那喀索斯(希腊神话人物，因自恋死后变成水仙花)了，因为如果说绘画犹如是艺术之花，那么关于那喀索斯的古老传说对于绘画本身的出现而言就再贴切不过了。如果那不是映照在池水面上的倒影而启发而来的‘艺术’，真是想不出绘画到底还能是怎么来的了。”
莱昂·巴蒂斯塔·阿尔伯蒂
阿尔伯蒂，建筑师、数学家、音乐家、雕塑家，当然也是画家，文艺复兴时期的代表性人物，无疑把整个绘画艺术的出现归功于自画像，他更是同时期中的第一个创作自画像的画者之一，在自己画笔下的伟岸轮廓里，无不展现其从此认定为艺术家们所特有的高尚和新贵气质。
四、塞尚：绘画，其实是在用画笔思考
当我们徜徉在人类艺术思想的历史长河畔，无论是相对客体意识的形成，还是相对主体意识的诞生，“这是什么”无不困扰着我们。这个因水面倒影而带来的惊异……带来了启发所有哲学思想源头的思考，正因为这主体眼中的“客体”， 其很快便推演到了“我到底是谁”的问题上来。至此，我们联想到了著名的苏格拉底箴言乃至整个古希腊思想的缩影：“看清你自己(用心，而不是用眼)。” 这句镌刻在德尔菲圣殿屋瓴上的箴言，提示着人类应摆正自己和天地宇宙间的关系及地位。当我们说自画像的发展历程和哲学中主客体的认识过程之间的界限模糊不清，在此可见一斑。
自画像(油画) 1875年 保罗·塞尚
因此，阿尔伯蒂作为理论家和思想家，对此有更清晰的阐述：“绘画艺术，正是艺术之花。”正如阿尔伯蒂身后五百年，另一位画家、思想家塞尚，用他那挥舞不尽的画笔，向我们证实“绘画，其实就是在用画笔思考”。
五、那喀索斯和马尔叙亚斯
当那喀索斯的神话故事被回归现实意义，其实它远比我们一般认为的更丰富和具有色彩，这里我们同样要提到马尔叙亚斯的传说，因为这两个神话间对立出了截然不同的两种关于自画像的功用：痴迷而死和剥皮而亡(希腊神话故事，马尔叙亚斯因为吹笛比赛被剥皮)。
对于那喀索斯传说，如果我们能更准确地理解它，其与把自画像简单归结成自恋产物的结论相去甚远。具体说来，民间存在着几种关于此古老传说的经典版本，其中便有奥维德和保萨尼阿斯的版本，两个版本中都绘声绘色地讲述了寓言中的俊美男子由于在清澈冰凉的泉水池中看到了自己，从而被自己的美貌所俘获不能自拔，爱上自己又不能自已，最终死去的故事。
山林女神与那喀索斯
于是在弗洛伊德理论的驱使下，藉着这传说，精神分析理论便得出了对相关主体构成的自恋症的定义，得出自恋人格是仅对其自身存在感而沉迷的不完整认知。
可是，那些造诣最深、对艺术本质理解最彻底的自画像创作艺术家们，却始终忠诚于这神话故事轻轻拂过后留下的，显然被奥维德或保萨尼阿斯的版本所忽略的真实含义：“如果他不(用眼睛)看自己。”这也是先知提瑞西阿斯在那喀索斯出生时回答他父母对于自己的儿子能活多久的焦虑所给出的答案。
亨利·方丹·拉图尔 自画像
原来，我们到此其实面对的不只是一个人是在“恋我”或是“忘我”的简单事实，而是关于寻找自我以及对自我的认知，无视身旁世事的烦扰，平静而真挚地等待生命逝去的人生态度。
因此，我们看到了两个那喀索斯：一个是被自己俊美的外貌迷惑，而另一个是被其个体存在的神秘而纠结。先知口中的预言，正格外地印证了苏格拉底说过的“看清你自己(用心，而不是用眼)”所蕴含的深刻意义。“如果那喀索斯不(用眼)看自己”，他也许就不会死……
彼得·保罗·鲁本斯 自画像
对于像我们这样血肉组成的世间凡人，通向永恒不灭的道路被就此指明，那些真实、真挚的艺术家们如高更或梵高都取其行之。在死亡面前，在这最后一期的自画像中，旷世奇才毕加索亦如同寓言里的野兔般奋力奔跑，不为别的，正是为了在其不多的来日里，用其手下的画笔，用心表达完他所有想要完成的表达。
