几个容易被忽略的**制作技巧
在**镜头的转换中常用不同的光学技巧和手法，以达到剪辑影片的目的。现介绍一些常用的影视剪辑光学技巧。
一、切入切出
这是**中最常用的一种镜头转换方法。即是不加技巧地从上一镜头结束直接转化到下一个镜头开始，中间毫无间隙。称为切。
二、淡出淡入
也称**画面的渐隐、渐显。画面逐渐变暗，最后完全隐没，这种方法叫做淡出或叫渐隐。相反，画面逐渐由暗变亮，最后完全清晰，这个镜头叫做淡入，也叫做渐显。
三、划入划出
也是**中镜头转换的一种技巧。有时用一条明晰的直线，有时用一条波浪型的线等从画面边缘开始直、横、斜地将画面抹去，叫划出。代之以下一个画面，叫划入。
四、化出化入
又称溶出溶入，也是**中镜头转换的一种手法。在一个画面逐渐隐去（化出）的同时，另一个画面逐渐显露（化入）。这常常用在前后两个相互联系的内容和场景，造成慢慢过渡的感觉。
五、叠印
指两个画面甚至三个画面叠合印成一个画面。常表现剧中人物的回忆、梦境、虚幻想象、神奇世界等。
六、其他光学技巧
焦点变虚。
画面的若干画格焦点变虚，影像逐渐模糊。虚的速度和长度可以自由掌握，常表现剧中人视线模糊、昏迷等情景。
定格：常指一个动态镜头瞬间静止在某一画面上，画面上显得颗粒很粗。倒向印片：把所摄的正常镜头按照与动作相反的顺序印片。
分割画面：利用遮片把一个画面分割成两个、三个或更多的画面。
加遮片：当一个演员同时扮演两个角色出现在同一画面上时，遮片先加在一侧，先曝光另一侧，然后再调换遮片和曝光。
动作**中的衔接剪辑技巧
1库勒雪夫效果
库勒雪夫效果是当同一面部表情配以不同的画面,就能产生不同的情感效果，让观众以不同的方式解读人物的情绪。
2推轨变焦
变焦(或眩晕效果)是通过在远离拍摄对象的同时变焦来实现的。这造成了一种令人不安的眩晕或不真实的感觉，因为主体保持不变，而视角是扭曲的。
3配乐
配乐通过使用大调或小调来增强情感。正如大调的音乐被认为是快乐的，而小调的音乐被认为是悲伤的，惊悚和恐怖**使用小调，将低沉的主题从小调到大调，会让它们显得轻松愉快，而将振奋人心的大调到小调，甚至一些小哼唱都让人觉得毛骨悚然。
4深度空间
深度空间，也叫深舞台，是一种用屏幕上的深度来传达角色给定位置的大小的技术。在**《公民凯恩》中，上图中展示的是，损失使他一瞬间的角色力量变小。
5色彩错觉
加斯·范·桑特翻拍的《惊魂记》利用这种现象巧妙地扭曲了你的大脑。开头部分有绿色的条纹，眨一下眼睛，你就会看到血红色。同样的概念也可以用来让观众“看到”任何其他的颜色，只要简单地显示出相应的(相反的)颜色就可以了。
6低角度拍摄
斯蒂芬·斯皮尔伯格为了使影片的基调与儿童角色有关，从低角度拍摄了一些**场景。这些低角度的镜头模仿了孩子的视线，所以观众能产生很好的带入感。
这些容易被忽略的**技巧你都认识了吗
有人说**的技巧就是撩拨、加速和强化投射，你怎么认为呢？
动作**中的衔接剪辑技巧
动作**又称为惊险动作片，是以强烈紧张的惊险动作和视听张力为核心的影片类型。下面给大家介绍动作**中的衔接剪辑技巧，欢迎阅读!
动作**中的衔接剪辑技巧
一 音乐是重中之重
预告片牛不牛逼，音乐权重占70%以上。
一段旋律有范、节奏变化丰富的音乐，是动作**预告片的核心。适用于所有类型的**预告片。
剪辑技艺再牛逼，音乐平庸，预告片就平庸；音乐品位高，曲子编辑的好（音乐不是拿来直接一整条用的，需要经过延长、缩短、拼接、变速、变音等处理），那么剪得糙一点都没关系。
音乐是最直观给你“感觉”的东西，2分钟的音乐包含着巨大的情绪流，一个字也不用讲，音乐一起，就能让你感到“兴奋”“感动”“爱情”“幻灭”“哲学”“宗教”“紧张”“恐惧”“压抑”等情绪，这些抽象的大主题里面又能细分出无数具体的意象。
而画面和对白，在预告片的几分钟时间里，只能呈现出零星的“信息”。
所以，音乐最关键。
二 剪辑技巧
先明确一点，我们剪预告片时，几个镜头剪成一组，几组镜头构为一幕，三幕或者四幕就能组成一条完整的预告片。
新来的剪辑师往往会出现“剪得比较乱”的问题，为什么？
1、一组镜头只需说清楚一个意思。如果你加入了不是这个意思的镜头，就会突兀。显得乱。
2、一组镜头讲完后，再去讲下一组镜头，逻辑上或者情绪上要有承接或者递进。新手会瞎跳乱跳，一组镜头还没讲完就开始下一组镜头。
3、幕与幕之间，要有大的逻辑串联。拿《小时代1》的先导预告举例子，第一幕起势，第二幕主角亮相正常世界，第三幕关系恶化进入低谷，第四幕事件和人物有了更丰富的变化进入高潮。（举小时代 预告片 的例子是因为，它是业内外公认的高水准预告片）
1、镜头之间的视点和动势最好接上。
A视点就是视觉重点，上个镜头的视点结束在画面左侧，下一个镜头的视点就尽量从左侧起。
B动势变化要顺。这个看具体情况处理。如果你仅仅把动势顺着方向或者快慢“接上”，那么看起来虽然舒服，但是有些楞。好看的动势要像书法。有断有连，有急有停，有粗有细，有开有合。这个看感觉了。
2 根据音乐，普通镜头的剪辑要故意不压在节奏上，只把重要镜头压在节奏上。
为什么这样呢？所有镜头全压着节奏上，第一很楞，第二看起来像MV，第三（也是最重要的）你每个镜头都压在节奏上，都很爽，到了牛逼镜头或者该强化的镜头时，再压在节奏点上就没那么爽了，效果就出不来了。
这样是先抑后扬的一种做法。
3 “刺激——反应”链条。
剧情片里，说出的一句话，要接住。（用别人的反应、事件、另一句话等来接）
爱情片里，抛出的一个媚眼，要接住。（别人的媚眼，幸福的表情等来接）
动作片里，射出的一颗子弹，要接住。（东西被打烂，炸弹爆炸，人死亡等来接）
“刺激——反应”链条，是一组镜头最常用的叙事方式之一。给了刺激就一定要有反应，一组镜头才有结束感，结束之后再开始下一组镜头。路一步一步走，话一句一句说。新手剪片子，最常犯的毛病就是给了刺激，没反应。不知道怎么就到下一组镜头了。就好像你给别人讲故事，每句话都讲一半，观众不知道哪里出了问题，只觉得不舒服、不好，其实是你挖的坑没填上，绊到观众了。
4 跳切、快放、快闪夹黑帧、慢镜头
镜头节奏要变化：几个快的'，就插一个慢的。几个近景，来一个远景。几个格斗，加个大场面。几句对话，来个爆炸……永远要给出变化，要有能量的起伏。带观众做过山车。
有时人物动作慢我会跳切或适当快放，显得有力一些。快闪夹黑帧这块，《匹夫》先导预告1分10秒处有例子，学生服日本刀砍人。
5 如果一场戏很牛逼，就整场放。（并不是说你不去处理它）
国外预告片最爱用的技巧，为什么？因为人家**拍的牛逼，场面撑得住。
常常最后一个镜头（就是最高潮那个），就用片子里的一个牛逼的场景镜头做结尾。不像我们，用高速剪辑或者凌厉的剪辑堆砌出一个高潮来。《独行侠》的许多款预告片都是这么干的，一整场动作场面码上去。很过瘾。
6 起高潮之前压低，高潮后要安静，再起更高的高潮。
通常，开枪爆炸之前，我们会刹住音乐，让整个音响安静下来，说句话或者什么的，再起开枪或爆炸。这样做是为了让高潮显得更高更有力。通过能量差产生对比，做强效果。
再举《小时代1》先导预告的例子。第四幕是高潮，所以第三幕要低谷一点压抑一点（不管剪辑节奏、速度还是音乐能量都比其他几幕要低），而且，在起第四幕之前，先猛地安静，唐宛如喊叫“冲啊！”后，音乐再响起，进入高潮。
三 音响音效设计
评论里有位朋友说觉得音效最关键，实际上，没有最关键的，所有的步骤都是关键。创意、剪辑、音乐、音效、特效等方面全都做到高完成度，才能出一支好预告片。
好莱坞预告片的音效使用量是非常小的，随便打开一支好莱坞大片的预告，旁白和音乐占音响总量的90%，只有在关键的地方才有一两个音效。他们最重要的是对白，对白一起，音乐都会降好几个量级。
为什么呢？因为好莱坞重故事，而且好莱坞演员的念白都很棒，随便一句话都可以撑起来，，加上人家**画面牛逼，音效这种东西要你用好音响才能感受的到，所以想要看预告片真正的音响设计，还得去**院里看前面的贴片。（最近看imax版本的《007幽灵党》，前面有《火星救援》的全长贴片，那个录音水准和音响设计水平可以说是世界最高水平了，快去看吧）
话说话来，音响设计涉及到的声音层次有三层：音乐、旁白、音效。原理是：“此起彼伏，有起有伏”。
1、有起有伏
从大的音乐结构来看，必须做到“有起有伏”，音乐的能量不要一直高或一直低，需要变化。我们一般做音乐，同一个旋律走两小节，就要变化。要递进、中断或者旋律发生变化。否则观众看的时候会疲。
2、此起彼伏
这里主要指音效和对白需要此起彼伏，简单来说就是“有音效的地方别有对白，有对白的地方别有音效”“音效和对白不要打架”。这个以剪辑师为主，在剪辑时就应该注意，音响设计师做辅助。
观众在一定时间流里面能够注意到的信息是有限的，预告片属于高强度的信息流，对于观众注意点的设置一定是排列有序而不是挤在一起的。
所以大家看标准范式的好莱坞预告片，大的节奏设计通常是固定的：“说几句话”+“插个音效”， 完成一组镜头。对应剪辑就是：几个叙述镜头加对白或旁白+能出音效的镜头。
3、其他
音响在频率上大致有“高、中、低”三个频率段，许多新的预告片公司作品，往往听起来不够饱满、音效怪怪的、衔接不够顺滑。原因有三。
一是忽视了氛围音，主要是低音的填补。有一些耳机几乎听不出来的长长的“嗡”“呜”的低音，我们是会随着音乐能量的起伏，压在音乐下面。这一层很重要，缺少了就会让音响变得很“薄”。
二是音效的融合度不够。同一个声音，比如开枪的声音，乐库里面可能有一千种音效，你要找到能够融合进整体音响里面的那一个。找不到，就试，试不出来就自己做变音处理，把它融合进去。融合度低的音效，就像一段光滑木板上面的倒刺，很扎手。
三是衔接处理要顺滑。一部**预告片会用到好几段音乐，成百上千种音效。这么多的元素拼在一起，要把他们的接缝处打磨顺滑，不扎耳朵。
;**镜头拍摄技巧有哪些
这句话是对的，**的技巧就是把**的内容快速的展现出来，不像电视剧那么长，他会击中它里面的经典快速地播出来，让人们很快的融入到里面理解。
一部**比较能打动观众的实际上就是比较贴近生活，实际的比如亲情，还有爱情等等。但这些都是一个需要剧情，另一个还需要演员演的比较好才可以。所以是否能打动观众，我觉得这两个方面还是非常重要的。
**就是一个造梦师，我们看**就是在荧幕前做一个梦，在这个梦中去体会别人的人生和生活。一些经典老**，由于拍摄手法的陈旧，叙事技巧的老旧，会让现在的观众难以如戏，这样就无法让你沉浸在**所营造的世界，所以你会没有和这些老**的共鸣。
有些**，如果它表达的情感是观影者从来没有体验过的情感，那么观影者也无法如戏，比如二十多岁的人是很难去和描述黄昏恋或者中年危机的**发生情感共鸣，自由世界的年轻人也没法去共鸣体会当年铁幕之下的社会情感。
1 反打
反打是指摄影机、摄像机在拍摄二人场景时的异向拍摄。例如拍摄男女二人对坐交谈，先从一边拍男，再从另一边拍女（近景、特写、半身均可），最后交叉剪辑构成一个完整的片段。
2 变焦拍摄
变焦拍摄是指摄影、摄像机不动，通过镜头焦距的变化，使远方的人或物清晰可见，或使近景从清晰到虚化。
3 主观拍摄
主观拍摄又称主观镜头，即表现剧中人的主观视线、视觉的镜头，常有可视化的心理描写的作用。
4 跟踪拍摄
跟踪拍摄是指跟移，除此之外，还有跟摇、跟推、跟拉、跟升、跟降等，即将跟摄与拉、摇、移、升、降等20多种拍摄方法结合在一起，同时进行。总之，跟拍的手法灵活多样，它使观众的眼睛始终盯牢在被跟摄人体、物体上。
5 区别调焦
区别调焦 又名转移调焦，是在被摄景物和**摄影机的位置均相对静止的前提下，边拍摄边连续移动摄影镜头的调焦环，以改变最能清晰成像的被摄平面的前后位置（俗称前后移动的“焦点”）从而通过不同远近的被摄物体，如近景人物与远景人物虚实效果的改变，使所摄主体和陪体之间，发生相互转换的一种调焦方法。
