漫画341话，动画309集。
角都是日本漫画《火影忍者》及其衍生作品中的角色，原泷隐村的精英成员，“晓”成员之一。飞段的搭档，拥有秘术“地怨虞”，能通过利用查克拉操控体内释放的黑色触手，从而夺取他人的心脏。
人物特点：
身上一共有五个心脏，有雷、风、火、土、水五种查克拉性质，这意味着他可以随意使用所有性质的忍术。左上角的水属性心脏被卡卡西用雷切摧毁，随后本体的土属性心脏被鹿丸利用飞段的术摧毁（当时雷、风、火三颗心脏在身体外面）。
右上角火属性心脏和右下角风属性心脏在融合后被鸣人的新术 ——风遁·螺旋手里剑摧毁，最后雷属性心脏由于身体全部经络被旋风手里剑割断无法动弹，被卡卡西击毙。
日本“精神第一性”文化下的日本动漫
“寄生兽”：
日本漫画由漫画家欣明平均（Iwaaki仁）绘于1990年和1995年由讲谈社发行。荣获第27届，第17届的1996年的星云奖和1993年讲谈社漫画奖励。是原来的串行恐怖的主题，因为有一些血腥的场面和分类18禁漫画讲述了来历不明寄生虫“MIGI”的故事和人类生存的书一个新的共同主角泉生存的故事，并为地球有相当批判视角的主人。
地球上空
总之有一天出现在许多孢子，其幼虫出生后侵入体内可以吞噬宿主的头，而不是管理这个[尸体]。任何变形可以柔软如触手可作为硬而锋利的刀片。他们的食物是寄生体相同的物种（送的人谁吃，送狗吃狗）。人类在不知不觉中寄生兽会发现食物残渣[]事件被称为“剁肉的杀戮。”寄生兽逐渐了解人类世界，明白这不是野蛮的掠夺者随着时间的推移，该组织也开始规划和利用他们的政治权力对整个世界的未来陷入无尽的恐慌。第一个是人类主角泉城新的寄生虫寄生，但在他的身上（MIGI）由于一些意想不到的寄生生物体没有吃他的大脑，而是换成了他的右手。弹簧新寄生兽被杀害的亲人和所有人类的未来开始了一系列的其他全身寄生兽殊搏斗。
在“寄生兽”后记评估，摇滚有关的用刀子玩的过程中所有的投诉，切断了他被人谈论寄生兽的手指，配有一个客观的态度可能不由让人毛骨悚然。什么是生命的意义是为了生存，并在年底其他生物能够和平相处，这个问题的岩石被抛出的读者，让读者找到自己的答案。几个漫画可以和“寄生兽”相提并论没有内涵，这项工作是很值得一游。仔细阅读“寄生兽”会说，这是一个经典。
日本** 一个护士叫一个黄衣服的女生到地下室 植入绿色触手的**，优酷搜索异形触手入侵附身的视频
日本动漫（ANIME），是日本动画和日本漫画的合称，其在日本文化产业中占有很大的比例。日本作为动漫产业强国，动漫这一文化形式已成为其展现国家文化精神的平台，犹如好莱坞之于美国，维也纳之于奥地利。自20世纪初，日本动漫经历了萌芽期、探索期，至80、90年代达到成熟。经过长年发展，日本动漫日趋壮大，并在世界动漫的舞台上逐步取得重要地位。虽然日本动漫数量庞大，题材多样，但作为大和民族血脉精神的继承者和传承者，总是打上了民族自身的精神烙印。
美国学者鲁斯·本尼迪克的论著《菊与刀》，以人类学的方法，解释了日本独特的文化属性，是研究日本文化的一本经典著作。从《菊与刀》提供的视角，可探究和分析日本动漫中对“精神”这一因素的看法与体现。
战争中的日本人将精神力量置于物质力量之上，他们认为“精神就是一切，是永存的。物质当然也是不可缺少的，但那是次要的，瞬间的”。他们“叫嚷着日本必胜，精神必将战胜物质。” “就是在日本打胜仗的时候，日本的政治家、大本营，以及军人们都反复强调说：‘这次战争并不是军备的较量，而是日本人信赖精神与美国人信赖物质的战争。’在我们（美国）打胜仗的时候，他们还是反复地说：‘在这场较量中，物质力量注定必将失败。’”20世纪30年代，狂热的军国主义分子荒木贞夫在名叫《告日本国民书》的宣传小册子中写道：日本的“真正使命”在于“弘扬皇道于四海，力量悬殊不足忧，吾等何惧于物质！”这种对精神的高度信赖被应用于战争之中。日本飞行驾驶员以自杀方式进攻撞击美国的军舰，就是当时精神战胜物质的教材。
而在民间，日本当权者也推行精神由于物质条件的信条。御寒体操不但能代替取暖设备和被褥，而且能够替代维持老百姓正常生命的粮食，“食物越是不足，我们就越要用其他方法来增强我们的体力”。这种看似荒诞的思维，在当时却被极力推崇。当时的日本人认为计算体力贮存这种问题是物质主义的，是一种低级的计算方式。
在战争中，日本的广播甚至在宣扬精神可以战胜死亡这种生理上的现实。有家广播电台曾播送过一个飞行员大尉检阅和记录所在部队的战斗情况，并向司令官作战斗汇报。至汇报完毕，他倒在地上。在场军官们发现他躯体已经冰冷，胸口上有致命的弹伤。“一个刚断气的人，身体不可能是冰冷的……大尉肯定早就死了，是他的精神支持他作了这次汇报。可以肯定，是已逝的大尉所怀抱的强烈责任感创造了这样的奇迹。”这种比“不是马拉松而更甚于马拉松”的故事，在日本人看来是一个“奇迹般的事实”，他们深信，经过特殊的修炼，可以使一个人的精神达到最高境界，而这位大尉学会了，并收到了效果。
对精神的重视，在日本文化中是根深蒂固的。也是因为重视精神，在日本的文化中才有对“义理”和“忠”的追求，他们会小心谨慎的面对他人的看法，认为肉体的死亡可以带来精神的解脱和永存。战争年代，日本种种特质表现的非常极端。在如今的和平年代，这种对精神极度重视的民族特征，也在文化创作和传播中体现出来。
日本目前公认的第一部动画是下川凹夫创作的《芋川掠三玄关·一番之卷》。日本动漫由此进入了萌芽期。二战期间，懒尾光世拍摄了“桃太郎”系列动画片，鼓吹侵略，美化夸耀日本军国主义，其中的代表作是1944年制作的《桃太郎·海上神兵》。1945年日本战败之后，日本动漫进入了探索期。也是从这个时期开始，一大批动漫作者出现，并创作了奠定日本动画国际地位的一系列作品。“二战”后半个多世纪以来，漫画在日本的社会地位以及人们对它的认识在不断变化。从一开始的孩童玩具，直至获得全年龄受众的肯定。20世纪70、80年代，动漫已成为日本青少年至各个年龄层人群生活中不可或缺的一部分。根据日本动漫的发展阶段及其类型，作品内容以及表现方式各有不同。
日本动漫的类型划分，依维度有不同的划分。根据读者对象划分，可以大致分为儿童漫画、少年漫画、少女漫画、男性漫画、女性漫画、成人漫画。其中少年漫画在动漫市场中占有巨大的比例，少年漫画杂志虽然只有21种，但是占据了最大的市场份额，将近40%。少年漫画的动画化比率也是最高的。其次是男性漫画。少女漫画和女性漫画出版物虽都在50种以上，但市场份额远远低于前两种。按题材则可分为讽刺、幽默、恋爱、体育、战争、科幻等多种类型。此外还有按照表现方式和播放方式等分类方法。
在不同年代，不同类型的日本动漫，对于“精神第一性”体现的侧面以及强弱都有所不同，但都有着共同之处。根据其体现的内容，大致可以分为以下几种：
1 精神能超越肉体、战胜肉体
精神是超越肉体的存在，精神的力量能够战胜肉体的死亡。这种观点在二战时期的日本收到了极大的鼓吹。同样地，在科幻类、战争类的动漫中，这一种思想也得到了体现。一般而言，主人公在经受严重的战争打击，处于濒死状态时，经过一段自我剖析式的独白或回忆，突然“内心深处爆发革命”，精神的力量支撑他重新起身战斗。在这种“精神觉醒”之后，非但身体机能奇迹般恢复，战斗力还有极大的飞跃和提升，最终取得斗争的胜利。
“燃烧吧！我的小宇宙！”这句台词出自日本漫画家车田正美的代表作《圣斗士星矢》。每当五位主人公命悬一线的时候，只要心中默念这句台词，体内就会迸发出强大的力量，逆转局势，将对手击倒。至于何为“小宇宙”，或许不同的读者有不同的解读，但这个“小宇宙”是来自于主人公内在而非外在是毋庸置疑的。这种突然之间爆发的力量创造了胜利的奇迹，贯穿于全剧之中，颇有日本在战时坚信精神力量能创造奇迹的影子。
《机动战士高达》自1979年登场以来，已成为日本动漫中最著名，最经久不衰，最庞大的系列，其中《机动战士高达0079》是日本SF动画的三大里程碑之一。高达系列动画以未来的时空作为背景，人类驾驶巨型机器人进行战斗，最终主人公通过种种努力打败恶势力而争取和平。照理说，高达机器人的战争应该是最讲究“物质力量”的战斗，高大威猛的战斗机型，强而有力的攻击方式。然而，精神力量在其中也起到了非常重要的作用。如在《高达UC独角兽》中，主角巴纳吉驾驶的机动战士高达“独角兽”是一台“可以感知人心”的机器。以主角巴纳吉、奥黛丽为代表的和平主义者认为，机器只是“人类情感的增幅”，最珍贵的是“人心中的善意”。他们相信人的“可能性”，即人类的潜力，相信人类通过互相理解可以营造一个和平美好的宇宙共和圈。巴纳吉的精神力量通常能够穿越时空，以一种人物具象化的形态展示在接受影响的对象面前。如在最后巴纳吉与弗尔·弗朗托一战中，巴纳吉通过用“独角兽”触摸对方的战机，将“发自人心中光芒”传送给对方。感受到巴纳吉精神力量的弗尔感叹道：“着来自人心中的光芒，多么温暖……”又如，在吉翁女军官马丽坦死亡后，她的灵魂、她的意识也能够飞到亲友身边，传达最后的的意志和思念。
2 精神能操控物质，获得超自然的能力
科幻类、魔法类的漫画通常会赋予主人公超自然的能力，通过意志力量来控制物体的移动，或用意志来形成战斗的武器和力量。同时，有些体育类动漫也会体现出一些反自然的能力。
例如以超能力战斗为看点的《科学的超电磁炮》（2009年），故事舞台都市学院里的所有学生都接受超能力的开发，控制超能力也是依靠意志力量。在战斗中，主人公们可以控制电，水，火等自然事物，还可以在不同空间中来去自如。依靠精神力量，可以调动各种自然事物并变化其形态。这是科幻类常常用到的剧情。
《四驱兄弟》（原名《暴走兄弟Let’s go》，作者越田哲弘）是在90年代末期开始漫画连载和动画播放的关于四驱车的动漫作品。作品一共分为三部，讲述以星马烈、星马豪为代表的小学生与其热爱的四驱车玩具一起成长的故事，在日本一度受到热烈欢迎。我国引进后，曾一度掀起国内青少年的四驱车热潮。这是一部以小学生为主要受众的运动类动漫。每个主角的四驱车都有独特的特技，几乎是当车主高声呼喊这些特技的名字时，特技才能得以施展。星马豪只有在喊出“旋风冲锋龙卷风”的时候，他的四驱车“旋风冲锋”才会加速并以旋转的形式加速跳跃前进。有些四驱车的技能可在弯道等必经路段发挥，但由于车主没有意愿使用该技能即呼喊技能名称，该技能也不会发动。
又如，在《黑子的篮球》中，人对于篮球的热爱达到至高程度会进入“Zone”状态，从而能够获得更快的速度，其优势也能得到极大的发挥，甚至这种“Zone”状态能联合其他队员使得他们也达到接近极致的状态（有网友戏称这为“开了Wi-Fi”）。这种玄乎又玄，超自然的剧情，在这部作品中也是由精神作为支撑和爆发点的。
3 精神力量是“战斗力”的源泉
有些动漫作品中，精神的力量更是拔高到能提供物质力量的高度。精神是否强大，意志是否坚强，决定了主人公战斗力和战斗方式，也决定了战争的胜败。主人公要掌控自己的精神力量，从而掌握优秀的战斗力。
《魔法骑士》是日本著名女子漫画家组合CLAMP的代表作之一，于1993年开始漫画连载，并在1994年改编为TV动画，也成为了改编后大获成功的作品之一。《魔法骑士》讲述的是三个东京少女穿越到魔法世界锡菲罗，为了回到原来的世界，必须成为魔法骑士拯救锡菲罗的故事。“锡菲罗是一个充满意志力的世界，‘意志力’可突破一切的限制。锡菲罗的世界架于一个所谓‘支柱’的结构上，在‘支柱’艾美诺公主的祈祷下，世界一片祥和。”在这个魔法世界，意志力越是强大，魔法的力量也更加强大。控制魔兽也需要意志力的作用。这是非常典型的将意志力作为力量源泉的例子。
被誉为“日本三大漫”之一的《火影忍者》，连载以来不仅在日本掀起了“火影热”，在世界上也有着大量的漫迷。无论是漫画，动画还是**，《火影忍者》无疑是非常成功的。这一部连载了15年的漫画于2014年末画上了句号。这部作品最为感染人的，除了主角之间的羁绊，还有主人公漩涡鸣人的“火之意志”。“火之意志”在木叶村是一种精神支柱的存在，作品中原文为：“树叶飞舞之处，烈火必然，火光将会照亮村子，树叶又会再次萌生。”因此“保护身边最重要的人”、“保护村子的未来——孩子们”贯穿于几代木叶村忍者的心中。主人公漩涡鸣人，也就是所谓的“火之意志继承者”，凭借这份强烈的意志力量一次又一次的打败了敌人，保护了村庄和人民。还有一个十分有趣的现象，每次鸣人与交战角色双方力气耗光，都无法再进行战斗时，鸣人都会将“火之意志”灌输给对方，对方听后醍醐灌顶，并认可鸣人；最终双方达成友好共识，战争结束。火影迷们调侃道这种“口遁”才是忍界最高的忍术。
4 细腻敏感的情感表现
相较于前三点，这个部分更倾向于精神波动在心理、情感上的作用。日本动漫的少女动漫、女性动漫多以描写细腻的心理变化取胜。此外，也有不属于少女漫画或女性漫画的作品，由于情节凄美感人而大受欢迎。
日本动漫中，有一分类名为“治愈系”，特点为格调清新，剧情温暖，节奏舒缓。此类动画的故事情节多为现实题材，生活化气息浓重，以能让人会心一笑的生活小细节的动画表现形式为观众打造一个触手可及的心理接受平台，以动画中的生活细节去诠释现实生活，让观众在观看动画的同时达到共鸣的目的。动画着重人物的心理描写，因故人物的内心独白较其他类型的动画相比比较多，但治愈的根源也在独白之中。治愈系动漫因这些特点而有着治愈观众心灵的效果，大部分往往是催泪的。游戏公司Key社的“催泪弹系列”在日本的动漫界中享有很高的声誉，其中《Clannad》《Air》被誉为“神作”，《Air》因接受度高、传播度广，家喻户晓，其主题曲也一度被动漫迷称为“国歌”。Key社的作品在叙述故事的时候，与主人公的独白相结合，体现了丰富思想和感情的变化，再加上其题材贴近生活，一般以家庭、亲情、友情、梦想等为主，能够触动心灵、引起共鸣。
“精神”这一因素在日本动漫中得到了丰富的体现，这也得益于日本动漫中多元化的作品。“精神第一性”是日本民族历史以来，传承已久的民族精神之一，借助动漫这一灵活的平台流传和传播。日本动漫是日本的重要文化组成部分，是展现日本文化和供他国认知日本的窗口。由于这种作品创作中蕴含的共性，日本动漫以其独特的风格在世界占有重要地位，并体现出鲜亮的风格。
我国的动漫正处在飞速发展的时期，虽然目前阻碍还有待层层跨越，国民对于动漫的观念也需要转变的时间，动漫产业的发展最终还是个内容生产的过程。内容生产最重要的还是其内容是否能经得起推敲，是否真能触动心灵，是否为中华魂在国民中树立起来的一个重要的方式。因此，在创新技术的同时，我国的动漫发展更重要的还是要找到支撑动漫内容生产的核心，发展具有中国精神、中国梦的国产动漫。
为何偏偏就是日本的动漫这样的发达？
《寄生兽》。
《寄生兽》是一部由东宝株式会社出品，山崎贵执导，染谷将太、深津绘里、阿部贞夫等共同演出的科幻剧情**。
**分成前后两篇，前篇《寄生兽》于2014年11月29日在日本上映，后篇《寄生兽：完结篇》于2015年4月25日在日本上映。
影片讲述了泉新一是被寄生生物寄生的人类，寄生在他体内的生物“MIGI”并没有吃掉他的脑，而是取代了他的右手。而泉新一为了被寄生兽杀死的亲友以及所有人类的未来，开始了一系列与其他完全体寄生兽的殊死搏斗。
剧情：
某日夜里，海面上飘来许多被誉为“寄生虫”的微小生物，它们以寄生于人类脑部为目标，指使人类互相残杀。
在寄生虫开展大规模寄生活动的过程中，有位平凡的少年·泉新一（染谷饰）也成为了寄生虫的目标，但是由于某种意外，寄生在他体内的寄生虫MIGI并没有与他的脑合体，而是与他的右手合体。
新一与MIGI日久生情，为了让“宿主”新一生存下来，MIGI渐渐放弃了对人类的敌意，由此导致两人受到其他寄生虫的袭击。
另一方面，考虑着如何与寄生虫和平共处的神秘女子·田宫良子（深津饰）出现在新一和新一的儿时玩伴·里美（桥本饰）身边，以教师的身份开始活动。
分类: 娱乐休闲 >> 动漫
问题描述:
为什么就不是别的国家呢？
为什么就正好是日本的呢？
有什么必然的原因或是根源吗？
解析:
这里，不得不把动漫业拆成漫画业和动画业，因为在日本，动漫产业已极度发达完善，这两个子产业也分工明确，笼统地一概而论无法尽述。
1、编辑制度
日本漫画作者一般是沿着这样一条路线成功的：画短篇漫画参加各种漫画赏（就是比赛）；入围后被杂志社——往往是周刊或半月刊——相中；合作推出商业短篇；如果短篇成功，开始连载长篇；如果长篇效果显著，那么有可能会“动画化”（这是一个舶来词汇，意即漫画改为动画的过程）。在这中间，如果读者认为某部作品不够吸引人，那么立刻下档停载，就是所谓的“腰斩”。
这一整套完整的过程，保证了漫画的可看性。由于杂志所载的漫画是经由读者喜好决定的，所以当然受到读者的欢迎；又因为周连载方式必须能吸引读者眼球，所以画面的质量必须优秀，情节必须曲折。总的来说，日本商业漫画成功的原因就是适应读者需求，而更深层的原因，则是竞争。
2、漫画杂志的竞争
市场化经济体制的核心就是竞争。竞争是促进产业进步的动力。日本漫画业已是一个十分成熟的产业，杂志社间的竞争自然必不可少。
日本漫画杂志依照消费群体不同而笼统分为男性向（以男性读者为主体）和女性向（以女性读者为主体）两类。对于女性向的杂志，本人了解不多，故以男性向杂志为例，介绍一下漫画杂志的竞争情况。
日本男性向漫画杂志又基本上分为两类，即少年漫画杂志和男性向成年漫画杂志。截至2003年，日本又少年漫画18本，男性向成年漫画43本。从数量上来看，男性向成年漫画杂志比少年漫画杂志多很多，但如果看看销量，少年漫画杂志就遥遥领先了。毕竟，喜欢漫画的还是少年多一些。
日本少年漫画行业三足鼎立，作为顶梁柱的《周刊少年Jump》、《周刊少年Magazine》和《周刊少年Sunday》占据了大部分市场。既然同为少年漫画杂志，又同为周刊，自然要瓜分同一市场，真是想不竞争都难。下面，我就具体分析一下，影响漫画杂志生死的发行量究竟取决于哪些因素。
3、影响发行量的因素
众所周知，发行量就是一本杂志的命脉。发行量越大代表杂志越成功。而在已经完全商业化的日本漫画界，发行量更是直接决定了杂志社的商业利益，是追求利益最大化所必须重视的。一般来说，影响漫画杂志发行量的因素主要有以下几个方面。
1）购买“惯性”
现在常看到许多人说“XX杂志虽然不太好看了，不过我还是会买，习惯了。”这是消费者的习惯性使然，这对杂志而言是天然的帮助。购买杂志的人产生对作品的逆反和厌倦心理，以及销售额自身发生变化往往也会在开始购买的一两年后才出现。这样的事情很多，也这往往是购买“惯性”和消费者“本性”之间的转折点。
读者在一两年后购买的杂志会有变化，从确实感受到质的变化到实际上发生让人无法容忍的变化需要经过半年以上的时间，而且这个过程往往让人感到十分烦闷。读者在惯性购买阶段往往不需要继续购买的理由，如果不给一个强 他们会一直买下去。但任何一个和他们价值观发生根本冲突的理由都会让他们立刻停止购买，日后他们会把一切责任推给这个令他们停止购买的问题。
2）招牌作品
这里所说的“招牌作品”是指一本漫画连载杂志中，被90％以上的读者关注，并且他们在向没看过这本杂志的读者推荐时常被拿来充门面的作品。这种招牌作品往往被称为“杂志的脸”。有趣的是，杂志好坏往往并不取决于“招牌作品”是否好看。作品平均质量高，或单行本（即把连载作品合成一本或几本单独的书发售）销量好的杂志，都可称为“好杂志”。但这和“周刊销量好”的杂志并不相同。《周刊少年Jump》的招牌作品《七龙珠》连载完成后，《Jump》的销量由天文数字653万册，滑落至四百余万册，就足以说明“招牌作品”对杂志销量举足轻重的影响了。
3）热衷度与发售日期
杂志的内容常常受读者年龄的限制，因此造成体裁和流派上的限制，所以会存在一种单纯从销量上看不太畅销的作品，但它们又拥有一些热衷于此类作品的“死忠”读者群体。这种读者往往会由于对某作品热衷而完全忽略其它因素，从而拉动一部分长期销量。
有趣的是，对周刊杂志而言，发行日的不同也会影响销量。特别是都在周三发售的《Sunday》和《Magazine》，这也直接导致了读者层的不同和选择心理所带来的销售大战。
4、这种制度的弊端
事物总是具有其两面性。日本漫画产业市场看似十分完善，实际上仍有许多不足。而这些不足大多是由于过分追求销量所带来。
1）跟风现象严重
前面已经说过，读者的喜好决定杂志社出什么漫画。这样一来，一部优秀作品之后，必然紧跟而来大量的同类型跟风作品，严重影响了市场的多样性和作者的积极性。好在杂志社也意识到这一点，会有意识地减少跟风作品，多推出创新作品。
2）招牌作品拖时间，不完结
可以说，精明的日本杂志商们认准了招牌作品的影响力与读者的惯性购买力，所以招牌作品不断添加新剧情，拖延完结时间。读者对同一类型剧情看多了也会厌烦，于是招牌作品原来紧凑严谨的剧情被越拖延越玄乎，越拖延越离奇，读者也越来越累。
这样带来的恶果是读者的心态疲倦。旧读者早已长大（不是夸张，《七龙珠》连载十年之久），而新读者不知道前面剧情，看着没头没脑。而一旦停载完结，又要冒失去更多读者的危险，所以许多优秀作品就在这样不尴不尬的情况下被一天一天填入了冗长而离奇的剧情。（在这一点上，香港漫画杂志学足了师父，一部《龙虎门》拖了二十年，剧情也由当初的小混混斗殴发展成世界武林至尊争霸了）。这无疑对整个市场是不利的。
3）低龄化和低俗化
这两点似乎看似矛盾，实则不然。日本漫画界经过长时间的发展，市场已趋饱和。若要进一步扩大，就只有吸引不同年龄层的读者。于是剧情越发单薄和直接，成年漫画变成了供中学生看，少年漫画就只好从小学生甚至幼儿那里抢读者了。这一点，从少年漫画中越来越少的汉字和越来越多的假名（相当于拼音）中就可以很清楚地看出来。
由于剧情单薄，又要吸引眼球，作品就只好日趋低俗。打斗漫画动不动就打得满身是血，生活漫画全是些身材发育过好的女生搔首弄姿，大打擦边球。这也是过分追求利益所带来的恶果。
日本动画业浅谈
动画，无疑是动漫业中较大的一部分。它的投资大，收益大，附属产业多。当然，如果，不成功的话，赔钱也多。首先，就介绍一下日本动画制作流程吧（和我们一般想象的很不相同）！1、日本动画制作流程简介
作为市场经济高度发展下的产物，日本动画的制作目的大多是为了赚钱（废话）。因此一套良好的制作方法就必不可少。
日本动画制作公司一般有两种，一种叫“企画公司”，就是筹划制作，另一种叫“制作公司”，就是实际动手画。一般是分由两个公司完成，也有一个公司分兼二职的情况。一般而言，剧本、日程、分镜、设定、原画和监督（导演）由企画公司完成，而制作公司完成描线、上色、特效、校对、摄影、冲印、编辑和配音等工作。
日本动画的监督（导演）一般不像中国的导演那么操劳（从头至尾都在盯着），他除了拍板和协调外，只要全心全意排好第一话和最后一话就可以了，其它细节交给演出（副导演）来解决，而审查、原案、分镜头等等都有专人负责，用不着他操心。
当然，以上只是笼统提及一下，具体制作流程分为以下三个部分
1）前期
顾名思义，这是动画诞生最开始阶段。这部分工作主要有策划、剧本创作、造型设计、场景设计和分镜头画面台本设计。
2）中期
这应该是许多人感兴趣的部分，因为这其中包括摄影表填写、原画、动画及背景绘制等。这一部分工作比较繁重，所以企画公司一般不参与制作，只负责监督而已。经常关心动画STAFF名单就会发现，人物设定、场景设定、分镜头一般都是些出名人物，而到原画、动画、上色等工作时就“哗”地出现一大片陌生名字，还有不少干脆是“XX公司”。像人设、监督这种重要工作，一般以个人名义来进行。
说到动画——这里指动画拍摄过程，属于极为繁重的工作，所以由专门的“动画”公司负责。国内许多加工动画的公司就在帮日本公司做这部分工作。那些十分精美的画面大多出自中国人之手（所以说，中国并不缺画师）。企画公司会对原画和动画等工作给出书面详细要求，接下来，就要看动画公司的实力了。不过大家不要想当然，虽然那些画面精良的日本动画大多由中国加工公司制作，虽然动画是最底层的工作，但报酬就是比国产动画高，所以许多为国外加工动画的中国动画公司都不接国产动画工作。
3）后期
漫长的过程过去，后期工作便是拍摄（或扫描）、上色、合成、编辑镜头和配音字幕等等。说到配音，本应说说日本的声优（配音演员）制度，但在日本，声优业早已独立形成产业，也拥有许多专门的消费者，况且和动画制作几乎已成两方面（声优不单为动画配音，还常常做**配音、电台主持、广播剧、演唱歌曲等工作），故不再详述。
至此，动画基本流程介绍完毕，下面就要介绍动画“来钱”的方法，即收益途径。
2、日本动画收益途径
在商业社会里，投入要有回报才对得起担风险的人，这样才能鼓励再生产直到物质极大丰富……呃，打住。如同我们认为那样，在日本动画产业是很能赚钱的。即使不断有相关公司倒闭（这是市场经济无法避免的），但动画这块触手可及的金矿仍吸引了大量资金，而赚钱最多的，自然是电视台了。电视台负责出资制作，而在资本主义社会，资方显然是收益最多的，所以我也以电视台为主介绍。
动画之所以能盈利，其根本在于动画是一种有 “内容”的，可以层层剥皮的“内容商业”，投资人出钱制作动画获得版权，然后通过收取转播费及销售音像制品等其它产品，如：音乐、原型、原画来获利，这样就把一部动画的油水榨得干干净净。
按照电视台得传统观念，制作出节目后，应该尽力提高收视率，然后通过收取广告费来回收资金及获取利润，也就是说节目的的商业价值只体现在播放的档期里。而如今的日本电视台早已采用发掘“内容商业”来盈利。周边商品及出售播出权成了经营中的重要部分。东京电视台的岩田圭介坦言东京电视台会继续执行这种运作模式，但也假惺惺地说：“不算那些深夜档动画，虽然我们要赚一点辛苦钱，但出发点还是‘孩子喜欢看’啊！”。说得十分好听，但谁都知道，东京电视台靠制作动画和销售周边产品赚得个盆满钵满。
日本TBS电视台的源生哲雄是一个十分奉行“内容商业”的动画人。一般制作人首先想的是怎样吸引观众，而这位老兄在动画八字还没一撇时，就考虑如何回收资金了。做法虽然过于现实，道理还是不错。对于观众来说，一部经典的动画是给自己带来美好回忆的作品，但对于制作人来说，高成本的动画制作本身就是很危险的投资。只有良性资金流通才能让投资人有信心继续出钱制作，而这一切都要由市场决定。当然，从感情上指责过分商业化忽视艺术性是无可厚非的，但毕竟在日本做动画不是慈善事业，投资人都不愿白扔钱。这就好比满是艺术想法的欧洲**人面对财大气粗的好莱坞**时的无奈与迷惘。不错，艺术性固然重要，但投资人不这么认为，他们的钱是要生出钱来的，而不是用来砸进“无价的艺术深渊”的。从另一方面来看，无聊且满是铜臭的商业化作品的的确确给了很多人工作， 了经济。给从业人员带来了实实在在的面包，那又为什么一定要受到指责呢？
这就是日本商业动画的收益方式。这种方式确保了动画产业正常有序的发展。而如果想保持稳定的发展，就必须回到一个我们提到的词：竞争。
3、动画业的竞争
不错，保证动画业稳定发展的，还是竞争。可以说，竞争是商品社会必不可少的组成部分。动画业的竞争，在日本，也是十分激烈的。
上文提到，动画是一项很有“赚头”的产业，因此便有许多投资人试图从中分一杯羹。日本动画是以“周”为单位制作的，一般一周一话（集）。用卖上一话赚的钱拍下一话（真危险）。所以一旦一着不慎，整个动画就完蛋了。而“季”则是动画播出的大时间单位。一般动画有13话（一个季度）、26话（两个季度）、50话（一年）等（啊！那么《蓝猫淘气三千问》如果在日本要做60年）。每个季开始尤其是6、7月是竞争不太激烈的时候，每周全日本播放的动画大约是六、七十部。到了竞争激烈的季度中期和后期，同时播放的动画就有上百部之多！从理论上说，观众是不可能看完的……
虽然观众主要关心作品的制作人员（劳方），但真正竞争的主体是电视台（资方）。由于电视台投资制作，因此在决策权上高于制作方，前期市场调查、立项及题材选择都由电视台决定，当然还要监工。日本动画的主要竞争还是电视动画，因此，便以电视动画为例，先介绍一下各个电视台的竞争吧！
1）电视台之间的竞争
所谓“电视台之间的竞争”，自然是指同类型作品。日本虽然没有像中国中央电视台那样强大的无与伦比的“中央”电视台，但他们也有一个半官方的“日本广播协会”，即NHK，另外还有五个民间电视台实力较强劲（分别是日本电视、TBS、朝日电视、东京电视和富士电视），基本把持着日本电视台市场。而且像朝日电视和TBS在资本构成上也早已传媒系统化、立体化了。有趣的是，大多早期原创动画都是由地方小电视台制作。究其原因，一是动画投资比电视剧成本高很多，二是原创动画风险比由漫画改编的动画要高很多。高投入、风险大的原创动画在股权复杂的大电视台里很难通过，而相对股权集中的地方台来说，更有可能通过那些原创动画。
如果单看以上方面，地方台在和大电视台的竞争中吃不了太大的亏。但是，近年来地方台的日子越来越不好过。这主要是技术落后的原因。
2）播放技术的竞争
这里所指的技术，不是动画制作技术，而是指电视台播放的技术。想讲清楚这一点，首先要了解日本《电波法》和《广播法》有关规定。据规定，不允许NHK这样的半官方电台单独向全国播放，必须以五大民营电视台为中心，结合地方台组成网络，把NHK和五大电视台的节目，通过各地方台转播给观众。因此，地方台还是有自己的生存之道的。
但是，卫星电视的普及改变了这一点。可以这么说，高科技的发展直接影响了日本电视动画的进程，使动画质量得到跳跃式提高。不少动画画质都达到DVD级别，这便得益于卫星传送及数字电视的普及（离我们好远啊）。
早在1997年，日本就已经开始用通讯卫星进行收费多频道数字电视的播放，但由于观众并不习惯花钱看电视，再加上要加装专门设备，所以进展一直不快。直到2000年12月，NHK和五大电视台开始用广播卫星进行数字节目的免费播放，使观众一下增加许多。如果大电视台把节目放在卫星频道，不通过中转站（也就是地方台），直接给全岛观众看，地方台就失去了存在的意义。而在动画产业尤为严重，因为数字化动画和模拟信号动画在质量的差距实在太大，就好像宽银幕影院和街头录像厅同时免费开放，观众的选择是显而易见的。
而数字电视的推广更让地方台雪上加霜。由于数字电视在欧美流行，一向重视科技的日本不甘人后，甚至将普及这种新玩意儿当作一项国策。不只是卫星电视，连当地电台也得用数字信号。预计在2006年完成全面改造，2011年将在全岛停止模拟信号输出。
虽然数字电视在所有方面几乎都超过模拟电视一大截，但对于电视台来说，需要花费大量的资金购进播放设备，来进行这种没有直接收益的长期投资。大电视台有的是钱，无所谓，而对于已经被卫星电视拖得捉襟见肘的地方台来说，则是一笔不小的负担了。
总的来说，地方台有消失的趋势。目前尚不能界定这一趋势对产业发展的好坏，是否消失也得视未来情况而定。但是，如果富有创新精神的地方小台倒闭，那么以后可能真的只能看到完全商业化的快餐动画了。至少对于消费者，尤其是和日本电视动画收视率关系不大的中国观众们，这决不是一个好兆头。
3）播放档期的竞争
所谓“档期”，就是播放时段。我们常看到日本动画分“黄金档”和“深夜档”。一般观念认为，黄金档多是商业快餐作品，而深夜档则是注重暴力和挑逗、大打“擦边球”的给成人看的动画。其实这种说法也不尽然。实际上，日本电视动画经过多年的发展，如今已形成一套关于档期分段的基本框架：晚上8点半至10点半是“黄金时段”，播放面向青少年或老少咸宜的动画；深夜时分播放面向高中及以上至成人的动画；周六、日上午播放面向儿童的动画。作品年龄区十分明晰，而且实行多年。
然而自从1995年起，自从怪物级的深夜档期电视动画《新世纪Evangelion》取得空前绝后的成功后（为什么叫“怪物级”？因为它曾取得40％的收视率，无数优秀制作人因为和它竞争而破产），大量电视台忽然注意到深夜档这块一向忽视的蛋糕。一时之间深夜动画猛增乃至泛滥，甚至许多专供幼儿看的动画也不顾它们的观众早已被家长强迫睡觉的事实，也挤入深夜档试图赚钱。后来，深夜动画受卫星频道影响而有所下滑，但深夜档期从此也不只是专供青年向乃至成年向动画播放了。
最近，档期上又有新变化。从2002年4月起，日本把隔周双休改为每周双休。几乎同时，敏感的东京电视台也新设了周六上午7：30后的全新少儿动画档期。上文提到的那个说什么“‘孩子们觉得好看’是出发点”的岩田圭介认为，以前隔周双休制度使收视率和学校是否放假息息相关，而一旦每个周六都不用上学，那么那个时段的收视率一定可观。按照东京电视台统计，这个决定十分成功，整个星期同类节目收视率上升了好几倍。看到有人尝到了甜头，其它电视台也蠢蠢欲动。许多成人向动画也不顾它们的观众累了一周早已呼呼大睡的事实，打破头也要挤进去试图赚钱（这是市场经济必然结果还是盲目呢？）
以上基本上略谈了日本商业电视动画的竞争，而对日本商业动画全貌也基本提及。没有理由不学习先进经验，接下来该是如何学为己用了。
