好莱坞电影发展史

2023-05-10 03:58 来源：网友发布作者：网友发布浏览：28

核心提示好莱坞**自诞生后不久就在国际上占据了重要的地位，时至今日已成为世界**工业的霸主，活跃于世界的每一个角落。纵观好莱坞发展史，好莱坞**美学风格在上世纪的六、七十年代有一次较大的变化，在此之前可以称为经典好莱坞时期，而之后则可成为新好莱坞时

好莱坞**自诞生后不久就在国际上占据了重要的地位，时至今日已成为世界**工业的霸主，活跃于世界的每一个角落。纵观好莱坞发展史，好莱坞**美学风格在上世纪的六、七十年代有一次较大的变化，在此之前可以称为经典好莱坞时期，而之后则可成为新好莱坞时期。
第一次世界大战结束以后十年中间，对于美国**而言，乃是一个征服全世界的兴盛时期。外国影片在美国两万家**院的上映节目中已经完全消灭。在世界各国，美国影片占着上映节目60～90％的优势，每年约有两亿美元被用来生产800多部影片。**方面的投资超过15亿美元，这样大的资金使**事业在美国成了一种大规模的工业，在资本上可以与制造汽车、罐头、钢铁、石油、纸烟这些美国最大的工业相比拟。派拉蒙、劳乌、福斯、米高梅、环球这些大制片公司，支配着影片的生产以及全世界影片的上映和发行。它们和华尔街的金融巨头如柯恩·洛埃伯银行、通用汽车公司、杜邦·德·奈莫尔、摩根、洛克菲勒等密切地结合在一起。
自从格里菲斯失势之后，金融资本家所重视的已不是导演，而是**明星。后者成了制片公司的一种工具或者商标。从这时起，影片的真正主人是制片人，也就是那些被华尔街的银行家所赏识与选定的企业家。**导演和照明技师、摄影师、布景设计师一样，只不过是每周领取一定报酬的受雇者而已。制片人利用解除合同这种暗中威胁的办法，把导演过去所掌握的大部分实权，如对主题、明星和技师的选择、剧本和蒙太奇的仔细推敲、布景和服装的监督等等，全部夺取过去。
这样一来，制片人便成了决定艺术成败的一切因素的主人。他最关切的乃是怎样多赚钱，他的董事会也只根据影片的利润率来估量他的价值。因此摄制影片完全以票房收入为指导原则。他们对独立的影评家的评论，满不放在眼中，而事实上，这种影评在美国当时可说几乎全未存在。
但制片人自己只在幕后指挥一切。在好莱坞露面的乃是**明星，而“明星制度”也成为好莱坞征服世界的基础。观众对**明星的崇拜是用几百万张签名的照片来维持的，广告和宣传在这些偶像周围创造一种传奇的气氛。明星的恋爱、离婚以及他们所使用的化妆品、住宅、他们喜爱的动物，在某些国家成了一般人关心和津津乐道的题材。“明星制度”甚至使鲁道夫·范伦铁诺、玛丽·璧克馥、道格拉斯·范朋克、格洛丽亚·史璜逊、华莱士·雷德、约翰·基尔伯特、梅·茂莱、瑙尔玛·塔尔麦琦等人变成了真正被崇拜的偶像。
一些有名的宗教团体对这种竞争深感不安。清教徒对好莱坞展开了一起起攻击，这些攻击又因一些明星丑事的传播（如：华莱士·雷德因吸毒和酗酒而身死，某一舞女在有胖明星亚布克尔参加的一次宴会上遭到了谋杀，以及某些明星曾犯谋杀或因恋爱犯罪等等），而变得更加猛烈。
此时资本家成立了一个名叫“美国制片人与发行人协会”的机构，这个机构是由一个虔诚的清教徒、共和党领袖威廉·海斯负责组织起来的。按照海斯的说法，**变成了旅行商人，“商品跟在影片后面，凡是美国影片深入的地方，我们一定能够销售更多的美国货物”。
当好莱坞了解到这种国际使命时，美国某些明星扮演的人物也发生了变化。道格拉斯·范朋克在“三角影片公司”时曾幽默地扮演一个强壮、天真、乐观、为女人所喜爱的美国英雄，但到后来却在墨西哥的《佐罗的标记》、法国的《三个火枪手》、英国的《罗宾汉》、东方的《巴格达窃贼》及《黑海盗》中变成一个不可战胜的大力士，一个无所畏惧和无可指责的骑士和保卫正义而且总是获得胜利的人。随着年岁的增长，范朋克日益喜好巨大的布景、极端的豪华和神秘的力量。
拒绝把自己附属于明星的导演为数可说极少。随着好莱坞的建立，**先驱人物不是日趋没落就是销声匿迹。托马斯·英斯已经故世；麦克·塞纳特虽然还在继续摄制一些优良的作品，但他的声誉却并未因此增长；至于格里菲斯此时则正在逐渐走下坡路。标志格里菲斯登峰造极的作品，在美国乃是他的《一个国家的诞生》，在欧洲乃是他的《被摧残的花朵》，在**艺术方面则是《党同伐异》。但是，商业上的失败终于注定了格里菲斯的悲惨命运。这位被列入制片厂黑名单的伟大艺术家，在他以后残余的二十几年生命中，再也没有机会导演一部影片了。好莱坞的拜金主义把它的创始人都毁灭了。
格里菲斯的没落，正好和西席·地密尔的兴隆形成鲜明的对照。后者的庸俗的商人气息和浮夸的作风，成了好莱坞影片四十年以来的特征。他拍了各种样式的影片，从浮华喜剧《男性和女性》和其他由格洛丽亚·史璜逊主演的影片，一直到场面豪华的反苏宣传片《伏尔加的船夫》和反对无神论的闹剧片《不信上帝的少女》（片中有对儿童监狱的杰出描写），凡是能够赚钱的影片，他都加以摄制。地密尔最成功的作品是一些带有浓厚游艺场气氛的大型片，在这些大型片中，地密尔除了取材于圣经上的故事以外，还加进了一些色情的描写。好莱坞给他一笔格里菲斯所得不到的资金来摄制场面浩大的影片《十诫》和《万王之王》。地密尔由于承袭了意大利**的老传统，结果成了最能卖座的商业性影片的导演之一。弗莱德·尼勃罗模仿他的例子，替高德温和梅育拍了一部叫做《宾虚传》的巨片，这部影片花去了600万美元的摄制费，虽然风行一时，可是收入却不过400万美元。
好莱坞这个骤然之间交了红运的城市，具有暴发户们的那种低级趣味，他们建造的豪华的别墅，硬把罗马的露天剧场和洛可可式的堡垒，天主教的大教堂和摩天大楼结合在一起。这种建筑上东拼西凑的夸张趣味连同那种说教式的象征趣味，在根据勃拉斯哥·伊巴涅兹的原作改编的影片《启示录四骑士》里表现得最为突出。这部由雷克斯·英格兰姆导演、使范伦铁诺因此成为明星的超级影片在上映收入上打破了纪录。英格兰姆在其他影片中——例如在无声**末期他将结束**生涯时在尼斯摄制的那些影片中——也显示出这种讲究形式的作法。
好莱坞在成为国际上的强大势力以后，它摄制的题材也变成国际化了。在它最卖座的无声片中，以美国为背景的为数很少。在这些影片中，只有詹姆斯·克鲁兹导演的那部极著名的《篷车》直接取材于美国历史，是一部歌颂开拓西部地区者的史诗。西部片由于托马斯·英斯和W．S．哈特的功劳，曾提高到艺术的水平，但此时的西部片，除了象约翰·福特的《铁骑》这样极例外的影片以外，又变成了一种廉价影片的同义语，由一些专门迎合平民观众的导演和无名的演员粗制滥造地摄制出来。美国**这种“失去本国特性”的倾向成了极其普遍的趋势。亨利·金虽然还能按照托马斯·英斯和格里菲斯的传统，导演了一部完美的、描写美国地方生活的影片《孝子大卫》，可是人们不但不鼓励他沿着这一方向前进，反而导使他去摄制一些流行的言情小说（如《史泰拉恨史》），或者象他以后在罗马摄制的那些影片那样，向着意大利那种场面巨大的影片方向去发展（如《罗莫拉》、《白修女》等）。
由于金融资本的国际联合、审查制度的严格、流行小说被有系统地搬上银幕、明星制度、专为卖座的打算和制片人的拜金主义这些原因，使得美国**艺术日趋贫乏，这种贫乏和物质的丰富相形之下，显得更为突出。但美国**中至少还存在着一个作品丰富的喜剧学派和几部例外的作品，这些影片几乎都是由外国籍的导演摄制出来的。莱昂斯·彼雷给美国人培植了对浮华喜剧的爱好，加斯尼埃则是系列影片的创造者之一。除这两人以外，还可以举出肖塔尔、阿尔倍·卡普拉尼，以及协助卓别林导演《巴黎一妇人》的阿巴迪·达拉斯特。
1920年以后，好莱坞为了打倒它的竞争者，大量吸收外国籍的优秀导演和演员前往美国。莫里茨·斯蒂勒带着葛丽泰·嘉宝来到美国。但他专门为从德国来的演员波拉·尼格丽和强宁斯导演影片。他导演的《帝国旅馆》和《罪恶之街》这两部影片，无论在艺术上或商业上来说，都不是很成功的作品。与斯蒂勒相反，嘉宝在美国却大走红运。这位著名的女悲剧演员，确实是好莱坞一棵摇钱树，同时也给好莱坞的摄影棚带来了艺术。广告宣传使嘉宝成了传奇式的人物。她所主演的影片片名本身就具有一种宣传性质，如：《诱惑的女人》、《肉与魔》、《仙女下凡》、《神秘夫人》、《野兰花》、《接吻》等等。她在传奇式的故事中表现了历史上最著名的多情女子。
除了嘉宝以外，斯堪的纳维亚半岛的移民，对好莱坞几乎没有带来什么贡献。但从德国来的移民，特别是斯特劳亨、刘别谦、冯·斯登堡，却对美国**有很大的贡献。欧洲**的示范作用，使几个美国导演倾向于摄制一些艺术性超过商业性的影片。他们之中有几个确实达到了艺术的水平。有声**兴起的前夕，美国出现了一批有才能的新**导演，这些导演在某种程度上开始接替了先驱者的地位。
好莱坞在它历史上最繁荣时期，它的**先驱者和欧洲最伟大的**艺术家，与其说是加以利用，毋宁说是加以排斥。随着好莱坞的世界霸权的建立，它大部分生产就陷于毫无意义和追求豪华场面的停滞局面。
1927年10月23日，阿兰·克劳斯兰德摄制的有声响、对白和歌唱的《爵士歌王》的第一次上映，标志着**已进入了它的历史的一个新时代。有声技术的运用使**中复杂的叙事与流畅的对话成为可能，这一切促成了经典好莱坞**浓重的戏剧化风格。同时这种风格也符合当时的制片厂制度。由好莱坞巨鳄麦克•塞纳特创造的制片厂制度客观上要求**必须以迎合最广大观众的审美需求为目标，而传统的被大众所熟悉的戏剧化美学观显然是最好的选择。类型**在这样的背景下应运而生。这些被克拉考尔称为迎合观众“深层集体心理”的影片，通过程式化的情节、类型化的人物，迅速占据了观众的视野，科幻、歌舞、犯罪等形式的类型片得以在世界影院中大行其道。
西部片作为最“美国化”的类型片在经典好莱坞时期占有重要的地位。西部片颂扬、推崇那种粗犷的个人主义和适者生存的精神，体现着善必胜恶的道德理想，因而在美国影坛上长盛不衰。弗雷德•金尼曼拍摄于1952年的《正午》就在很多方面体现了西部片的特征，或者说是体现了经典好莱坞时期影片的特征。然而，《正午》虽然在很多方面有着经典好莱坞的影子，但它决不算是一部地道的经典好莱坞**。事实上这部拍摄于1952年的影片在好莱坞发展史中扮演着新旧两时期转折点的角色。《正午》中最明显异于传统好莱坞影片的莫过于对凯恩这个形象的塑造。传统西部片中的英雄形象往往代表着绝对的正义与公理，而凯恩在影片中却处在一个尴尬的境地。由于小镇居民不肯帮助这个曾经保卫他们的警长，使得凯恩的对立方不仅是恶棍，甚至还包括了小镇居民。影片对凯恩作了大量的心理描写，他开始思考自己的立场与行为，思考自己的何去何从。《正午》中塑造人物避免了过于类型化，对以往的警长形象也有了一定地颠覆，影片还放弃了西部片一贯的大团圆结局，选择了凯恩扔掉警徽离开小镇作为结束，增强了故事的客观性。
《正午》拍摄于1952年，而这恰是好莱坞黄金时期刚刚结束的时间，好莱坞随之进入了一段困顿的低潮期。直至上世纪的六、七十年代，随着西方社会后工业化、后社会化的愈演愈烈，新的社会艺术思潮泛滥。这些新思潮激荡着人们的思想，改变了人们对于艺术的欣赏取向和接受程度。**的观众群体也发生了变化，经典好莱坞时期**的风格已不能满足他们的观影需要了。四十年代的意大利新现实主义运动和五十年代的法国**新浪潮冲击和影响了当时的美国影坛，加速了好莱坞**的变化。于是以亚瑟•佩恩的《邦尼与克莱德》为代表的一批“新式”的影片应运而生，也拉开了新好莱坞时期的序幕。
新好莱坞时期描写人物的典型手法是，影片中的主人公不再是善恶分明的类型化人物，而是具有更加复杂的内心世界。新好莱坞注重人物的立体化与心理化，增加了影片的层次与深度。新好莱坞**的叙事特点，即在继承好莱坞善于讲故事传统的基础上，将影片的故事纳入到广阔的社会背景中，为影片融入真实性与社会性，使好莱坞**较之以前更加具有社会意义与深度。
新好莱坞**还受到欧洲**的深刻影响。商业**艺术化、艺术**商业化成为这一时期**发展的一个趋势，许多欧洲艺术**的处理方法被用于好莱坞**中。
从经典时期到新时期，**在好莱坞这块土地上经历了半个世纪的演变，无论是故事结构还是人物形象或是观念意识，都发生了巨大的变化。经典好莱坞时期的一套手法在当代已不能满足观众的需要，而更善于适应社会时代需要的新好莱坞**却悄然占据了观众的视线。
从70年代到80年代的过渡时期，新好莱坞完成了自己的使命。近10年的时间，美国每年生产200部左右的影片，**与电视争夺观众的竞争已达到平衡。**保持着10到12亿的观众，并且有了自己的越来越广阔的海外市场。据1993年的统计证实，美国**国内票房收入达52亿，发行收入26亿。视听产品的贸易顺差仅次于飞机制造出口业，为美国第二大行业。在全年世界银幕上上座率最高的10O部影片中美国影片占88部。
好莱坞**通过自身的调整完成了向后工业时代的过渡，至今仍雄踞世界**工业金字塔的顶端，显示出其强大的生命力。通过对好莱坞的全面考察，有助于我们对日常生活中**的思考，有助于我们对自己的民族**的判断。对一般观众来说，可以作为娱乐方式看待好莱坞**；对**创作者来说，可以学习好莱坞式商业**独特的艺术形式的规则；对于制片人来说，可以从好莱坞式的商业规则中，学习好莱坞的**理念和运作方式；而对理论家来说，可以通过对好莱坞特性的认识反思的历史和问题。考察好莱坞的**史对于中国**产业的发展，不可不说是有所裨益。

好莱坞只是指美国还是包括著世界**？

好莱坞**大片推荐如下：

1、变脸（1997）

拍摄手法老练纯熟，惯用操作伎俩样样不缺，维持一贯英雄浪漫情怀，适切融合东西方戏剧元素，堪为吴宇森执导生涯最巅峰之作，观众能轻易感受其充沛的娱乐价值。

2、生死时速（1994）

尽管故事里的危机事件直线单纯，透过编导准确掌握行影节奏，不拖泥带水，持续供应商业片本就该有的刺激能量，十分引人入胜，百看不腻，可谓经典中的经典。

3、疯狂的麦克斯4：狂暴之路（2015）

看完心中会涌现一股酣畅淋漓的满足感，是部足以奉为动作科幻**圣经的超然作品！技术层面无懈可击，导演乔治米勒将其疯狂热血淬链成绝优的示范教材，未来若再有续集，恐怕连他自己也都将难以超越。

4、全民公敌（1998）

题材讽刺意味浓厚，高明地创造出具体的明确威胁来推动情节，将那「岌岌可危」发挥到淋漓尽致，戏剧张力极高，对政治、社会的反思精神值得探寻。

5、杀死比尔（2003）

不着边际化解暴力与美学间存在的矛盾，将乖戾肃杀的氛围发挥到淋漓尽致，画面呈现冲击力道之大，令人大开眼界，久久萦绕于心。

好莱坞经典**有哪些

好莱坞**只是指美国**还是包括著世界**？

好莱坞在美国洛杉矶，好莱坞**只能说那片制作群体的出品物，只能算美国**的代表。包括不了世界**，但有不少世界影人加入。

美国**就是指好莱坞**吗？

好莱坞只是几个巨头**公司的在加一个地方的总称，这么一算，剩下的只有独立**了。占有量80%左右吧

美国**与好莱坞**的问题？？？？？？？？？？？？？？

1 除了现在的6大**公司之外，洛杉矶本地还有大大小小的**公司近千家，这还不包括很多以接大公司散单，外包专案的小型工作室。洛杉矶之外在纽约也有很多**公司。不过相对，商业**的核心在洛杉矶。
2 好莱坞**只是美国**的一个组成部分，甚至不能概称顶尖的**都是好莱坞的。因为好莱坞**值得的大型制片厂，公司生产的**。有很多优秀的**都是独立制片，或者小型工作室的产物，并不归属好莱坞**范畴。
3 国际艺人签约好莱坞**公司就算进入了，但是不一定签署经济约，只要签署片约就算。
4 奥斯卡是由美国学院奖衍生出来的，所以所有奖项除了最佳外语片外都是要求由美国**公司生产，但不一定就是好莱坞**。就如同2楼所说的类似国内金鸡奖，所以非美**公司生产的影片是不能报名参加最佳外语片单元以外的奖项的。
注：
现在所谓6大是 20世纪福克斯20th century fox，派拉蒙paramount，索尼哥伦比亚三星sony columbia picture，迪士尼walt disney，环球universal。皮克斯是迪士尼下属，梦工厂发行隶属于派拉蒙。

美国**是不是都叫好莱坞**呢

不一定，好莱坞**一般泛指大**公司出品的**，独立制作的**和地下**不包括在内。

法国**（这个杀手不太冷）是不是好莱坞**，好莱坞**一定是美国**吗

《这个杀手不太冷》（原题：Léon，美国上映片名：The Professional）是一部1994年的**，这是一部好莱坞**。
《这个杀手不太冷》由法国导演吕克·贝松编剧及执导，也是他首部往好莱坞发展拍摄的**。由让·雷诺、盖瑞·欧德曼及娜塔莉·波特曼主演。本片主要拍摄地点是纽约。
好莱坞（Hollywood），本意上是一个地名的概念，港译“荷里活”，是全球最著名的影视娱乐和旅游热门地点，位于美国加利福尼亚州洛杉矶市市区西北郊。现“好莱坞”一词往往直接用来指美国加州南部的**工业。

007**是好莱坞**还是英国**

标准的好莱坞**
因为是好莱坞的米高梅公司投资的
那个国家的公司投资的就是那个国家的
和演员、导演、拍摄地点啥的都没任何关系

好莱坞**为什么能够对世界**

朋友你想问的是好莱坞**为什么能够领先世界么？因为美国作为世界第一大国，他的实力也体现在文化输出上，所以能够引领世界**市场。从技术角度，他的**工业非常成熟。背后还是一个国家的综合国力。

好莱坞**到底赚了多少，美国**协会被

中国的**市场虽然很大，但是对好莱坞票房影响有限，好莱坞主要的票房收入还是北美市场，很多奖项的评比标准也是看北美市场的反响的

好莱坞**美学特点及其对世界**发展的影响。

旧好莱坞（也称经典好莱坞）阶段大约从1930年经济大萧条开始，到1960年冷战初期结束，其间跨越了二战和战后几个重要的历史时期。在经济上，旧好莱坞经历了从**专利公司（MPPC）到大制片厂制度的确立过程，在艺术上，它确立了所有型别片的模式，这一模式直到新好莱坞阶段仍然是不可忽视的因素。
（一）旧好莱坞的戏剧**美学特征
旧好莱坞**创作遵循着一种戏剧**的美学原则，其基本特征体现在三个方面：
即戏剧化的故事结构，型别化的人物形象和自然流畅的连续性剪辑。
1．经典好莱坞**在结构故事和展开情节方面明显地以戏剧化作为基础：故事情节充满戏剧的冲突，故事结构完整封闭，故事发展逐次递进直到结尾的并总离不开大团圆的结局。如《卡萨布兰卡》《魂断蓝桥》。
2．在戏剧化故事情节结构模式确立之后，好莱坞经典叙事的人物形象构成也自然呈型别化的倾向。根据戏剧冲突原则，人物形象被确立为正反两个阵营，正面人物和反面人物。例如西部片总有代表正义和法律的警长及贪婪野蛮的印地安人，警匪片有司法和犯罪的对峙。当然，在经典好莱坞叙事中，人物形象在遵循型别原则的大前提下又有无穷的取舍和变化，但正反两方人物所构成的戏剧冲突则是好莱坞永恒的法宝。
3．好莱坞经典叙事系统的核心是前面已经提到的连续性剪辑，连续性剪辑代表了好莱坞经典叙事的特征，既是对戏剧化故事和型别化人物的发展，又是好莱坞制造梦幻和欢笑的基本前提，因为自然流畅的连续性剪辑为观众提供了一个简洁方便而又真实可信的银幕世界。由于经典叙事系统的剪辑旨在实现逼真性的要求，所以景别使用的顺序便具有了特殊涵义：先是建制镜头展现整体环境和人物，然后是中景的镜头交待人物的动作和反动作，再切入近景镜头（包括特写）将人物面部表情的重要性直接呈现给观众，最后还得回到全景镜头来结束段落叙事或重建新的时空关系。
4．好莱坞大团圆结局作为经典好莱坞叙事系统的重要组成部分，在许多好莱坞主流影片中扮演着画龙点睛的作用。简单来说，其有两个方面的涵义：其一是回圈型或封闭型故事结构；其二是达到成功和完美的幸福结局。例如在奥逊威尔斯的不朽杰作《公民凯恩》开始时，镜头从报业大亨极尽豪华的“天堂庄园”的大门和大门上 “禁止入内”的警告牌缓缓移入，最后则用一个慢慢拉出庄园大门的反向镜头结束全片，在影片的叙事结构和镜头语言上完成了封闭型的回圈。
（二）关于旧好莱坞的型别片
20世纪30—40 年代是美国好莱坞的全盛时期，这期间在好莱坞影片创作中占统治地位的是型别**，型别**就是按照不同的型别（或样式）的规则要求创作出来的影片，实质上它是一种艺术产品标准化的规范。这种规范的**的实质就是运用一切能够抓住观众视觉和心理的**表现程式，它常常要比个人构思的有意识追求艺术的影片更能反映出观众的兴趣和道德标准。型别片是好莱坞制片制度的产物，它从商业和票房的角度进行影片生产，并在大量的艺术实践中建立并完善了一套**创作方法。
型别片的主要特征体现为：
1．情节公式化2．人物定性化3．银幕叙事标准化（型别片大都采用单一的线性结构，以时空转换为顺序,以事件发展为线索，较少使用闪回，交叉蒙太奇手法，而着重讲述单向发展的故事）4．视觉形象图解化（如古堡或塔楼象征危险，幽暗的森林隐藏着灾难，实验室里汩汩作响的试管则孕育著罪恶等）
型别片在经典好莱坞时代的发展经历了形成期，成熟期和衰退期。其复兴期则出现在新好莱坞时代。经典好莱坞的型别片包括西部片，警匪片，歌舞片，恐怖片等。
50年代到60年代，由于电视产业的发展以及其他的政治经济等社会方面的原因，经典好莱坞的型别片出现了衰退。
好莱坞**自诞生后不久就在国际上占据了重要的地位，时至今日已成为世界**工业的霸主，活跃于世界的每一个角落。纵观好莱坞发展史，好莱坞**美学风格在上世纪的六、七十年代有一次较大的变化，在此之前可以称为经典好莱坞时期，而之后则可成为新好莱坞时期。
经典好莱坞**基本成型于上世纪十年代。当时观众的欣赏口味偏向于古典叙事风格，有声技术的运用也使**中复杂的叙事与流畅的对话成为可能，这一切促成了经典好莱坞**浓重的戏剧化风格。同时这种风格也符合当时的制片厂制度。由好莱坞巨鳄麦克•塞纳特创造的制片厂制度客观上要求**必须以迎合最广大观众的审美需求为目标，而传统的被大众所熟悉的戏剧化美学观显然是最好的选择。型别**在这样的背景下应运而生。这些被克拉考尔称为迎合观众“深层集体心理”的影片，通过程式化的情节、型别化的人物，迅速占据了观众的视野，科幻、歌舞、犯罪等形式的型别片得以在世界影院中大行其道。
西部片作为最“美国化”的型别片在经典好莱坞时期占有重要的地位。西部片颂扬、推崇那种粗犷的个人主义和适者生存的精神，体现著善必胜恶的道德理想，因而在美国影坛上长盛不衰。弗雷德•金尼曼拍摄于1952年的《正午》就在很多方面体现了西部片的特征，或者说是体现了经典好莱坞时期影片的特征。
《正午》讲述的是小镇警长凯恩即将离任，并在当天迎娶未婚妻。就在两人的婚礼进行当中，凯恩被告知被自己抓捕的恶棍已经出狱，并极有可能在一个多小时后联合另外两名枪手回镇上报仇。面对危险时刻，镇上人人自保，不肯向凯恩伸出援手。凯恩在心灰意冷中无奈迎战，并侥幸获得胜利。最后凯恩将警徽扔在地上，在小镇居民尴尬的目光中与未婚妻离开了小镇。影片的叙事极其符合经典好莱坞时期奉行的古典主义叙事，即三一律叙事。影片发生在一个较为封闭的西部小镇；时间精确地被得到控制（甚至片中时间就等同于片外观影时间）；剧情流程也是标准的开端到结局，且恰到好处。《正午》追求情节性与完整性，使用封闭式的故事结构，建立了一个令人信服的虚构的物化世界，并生动地刻划出警长凯恩这个有血有肉的硬汉形象，上述的所有元素均是经典好莱坞时期**风格的标签。《正午》上映后获得了巨大的成功，获得次年奥斯卡最佳男演员、最佳剪辑、最佳配乐和最佳歌曲四项大奖。
然而，《正午》虽然在很多方面有着经典好莱坞的影子，但它决不算是一部地道的经典好莱坞**。事实上这部拍摄于1952年的影片在好莱坞发展史中扮演着新旧两时期转折点的角色。《正午》中最明显异于传统好莱坞影片的莫过于对凯恩这个形象的塑造。传统西部片中的英雄形象往往代表着绝对的正义与公理，而凯恩在影片中却处在一个尴尬的境地。由于小镇居民不肯帮助这个曾经保卫他们的警长，使得凯恩的对立方不仅是恶棍，甚至还包括了小镇居民。影片对凯恩作了大量的心理描写，他开始思考自己的立场与行为，思考自己的何去何从。《正午》中塑造人物避免了过于型别化，对以往的警长形象也有了一定地颠覆，影片还放弃了西部片一贯的大团圆结局，选择了凯恩扔掉警徽离开小镇作为结束，增强了故事的客观性。
《正午》拍摄于1952年，而这恰是好莱坞黄金时期刚刚结束的时间，好莱坞随之进入了一段困顿的低潮期。直至上世纪的六、七十年代，随着西方社会后工业化、后社会化的愈演愈烈，新的社会艺术思潮氾滥。这些新思潮激荡着人们的思想，改变了人们对于艺术的欣赏取向和接受程度。**的观众群体也发生了变化，经典好莱坞时期**的风格已不能满足他们的观影需要了。四十年代的义大利新现实主义运动和五十年代的法国**新浪潮冲击和影响了当时的美国影坛，加速了好莱坞**的变化。于是以亚瑟•佩恩的《邦尼与克莱德》为代表的一批“新式”的影片应运而生，也拉开了新好莱坞时期的序幕。
1999年萨姆•门德斯的《美国美人》即是一部典型的新好莱坞**。影片围绕42岁的美国中产阶级莱斯特和他身边人们的生活展开，其中揭露了美国社会的许多问题，是一部充斥着黑色幽默与辛辣讽刺的影片。影片塑造了莱斯特这个当代美国的边缘英雄形象。从《正午》中的警长凯恩到《美国美人》中的莱斯特，好莱坞**中的英雄形象在半个世纪的时间中发生了巨大的变化。当然，归根结底他们都还是英雄，只是经过时间的变迁，英雄已经从捍卫美国传统价值观中的正义、善良、勇敢的保护神，变化成在畸形社会重压下的美国中产阶级家庭灰色生活中的另类叛逆者。莱斯特虽然在片中有着许多负面描写，但是他却并不是十恶不赦的坏人，影片为莱斯特的行为作了有力的解释，使人能够认同他的境遇，而他在社会压力下的所作所为一定程度上也满足了观影者潜在的反叛心理。《美国美人》中这种假贬实褒的处理是新好莱坞时期描写人物的典型手法。这些影片中的主人公不再是善恶分明的型别化人物，而是具有更加复杂的内心世界。新好莱坞注重人物的立体化与心理化，增加了影片的层次与深度。
《美国美人》淡化了戏剧化叙事，或者说是将戏剧冲突进行了分散。《正午》中一个主要矛盾贯穿始终的叙事方式在《美国美人》中嬗变为几个矛盾事件并行发展：中年危机，社会压力，毒品问题，青少年问题……影片从这些美国社会问题入手，以网状结构代替了传统的线性结构，推动着这个关于“美国的美”的故事向前发展，直达。《美国美人》代表着新好莱坞**的叙事特点，即在继承好莱坞善于讲故事传统的基础上，将影片的故事纳入到广阔的社会背景中，为影片融入真实性与社会性，使好莱坞**较之以前更加具有社会意义与深度。
新好莱坞**还受到欧洲**的深刻影响。商业**艺术化、艺术**商业化成为这一时期**发展的一个趋势，许多欧洲艺术**的处理方法被用于好莱坞**中。《美国美人》对于镜头、色彩、光线等细节的处理精彩而独特，颇具作者**的风采。而影片中传达出的对于社会的关注也传承了新现实主义和新浪潮的血液。
从《正午》到《美国美人》，从经典时期到新时期，**在好莱坞这块土地上经历了半个世纪的演变，无论是故事结构还是人物形象或是观念意识，都发生了巨大的变化。经典好莱坞时期的一套手法在当代已不能满足观众的需要，而更善于适应社会时代需要的新好莱坞**却悄然占据了观众的视线。《美国美人》在72届奥斯卡颁奖礼上获得包括最佳影片在内的多项大奖，这说明新好莱坞**已从当年的边缘逐渐成为主流。好莱坞**通过自身的调整完成了向后工业时代的过渡，至今仍雄踞世界**工业金字塔的顶端，显示出其强大的生命力。

《哈里波特》是好莱坞**？还是英国**？

好莱坞**
判断一个**的出产国都是以最大的那个投资商的注册地为准
而不是以演员和主要创作人员
哈利波特是美国好莱坞的时代华纳公司投资拍摄的，因此是好莱坞**
采用英国演员是因为这部作品的原作比较英国化，只有用英国演员才能演绎出来那种味道，现在**制作早就国际化了，演员来自五湖四海也很正常
就像《平民窟的百万富翁》不算印度**，而算英国**一样

好莱坞科幻片必看10大**

1、第一部就是由吴宇森导演的《变脸》，**讲述FBI探员亚瑟追捕恐怖杀手凯斯特长达8年之久，凯斯曾杀害他的儿子，两人因此结下了不共戴天之仇。一次，为了调查致命炸弹的放置地点，亚瑟自愿取下自己的脸皮，换上昏迷中凯斯特的脸，混入监狱与其匪党搭上线，以套出炸弹的放置地点。但是清醒后的凯斯也换上了亚瑟的脸，摇身一变为FBI探员，使亚瑟的家庭与事业陷入了危机，一场正邪两方的激战于是点燃。

这部**是吴宇森导演作品的口碑巅峰，也在当年获得美国**票房冠军，在我的心目中，也始终占据第一的位置。

2、第二部是《虎胆龙威》，这部**由布鲁斯·威利斯和艾伦·瑞克曼主演，这部**几乎称得上是动作片中的教科书，不啰嗦不拖沓，在封闭空间里的较量，玩出了新花样。比起打不死的小强，男主身上更多呈现出的是作为普通人的无力感。异常火爆的动作场面，使得每一次冲突，每一次交火，都会有种心提到嗓子眼儿的紧绷感。

3、第三部是《盗火线》，该片讲述了两个劫匪麦考利和克里斯在一场惊天大劫案中与洛杉矶警察在街头展开决战的故事。追踪与反追踪，监视与反监视，高手之间过招，这部**非常得耐人寻味。

好莱坞科幻片必看10大**：《火星救援》、《地心引力》、《星际穿越》、《第九区》、《2001太空漫游》、《阿凡达》、《黑客帝国》、《ET外星人》、《普罗米修斯》、《银翼杀手》。

1、《火星救援》

讲述了由于一场沙尘暴，马克与他的团队失联，孤身一人置身于火星面临着飞船损毁，想方设法回地球的故事。马克称得上是太空时代的鲁滨逊。鲁滨逊至少还有星期五可以与之交流，而马特达蒙能依靠的只有自己强大的内心。独特的人文主题，幽默乐观的表演，严谨的科学细节，让《火星救援》在众多隐射现实意义的科幻大片中显得清新脱俗。

2、《地心引力》

一个在探索者号航天飞机上的两名男宇航员和一个女宇航员出舱进行哈勃望远镜维修时，遭遇太空碎片袭击导致飞船发生严重事故后在太空中发生的故事。由于其他同行全部丧生，所以这部在太空领域内的“密闭空间”式**人物极少，影片后半部分几乎只有桑德拉·布洛克主演的女主角一人，她将面对的是残酷的宇宙环境的人类内心中无限的孤独和恐惧。

3、《星际穿越》

一部非常不错的软科幻片＋亲情片，导演对于节奏和情绪的把控能力几乎完美。**主要讲述了，在未来的地球上土地贫瘠，粮食问题严重，人类把所有精力都用来维持自身的生存方面，而主角为了拯救人类飞向了太空，到孤独宇宙的另一端寻找人类的新家园，他进入了虫洞，在未知区域内感受一小时等于地球七年的绝望，但依然实施着拯救人类逃离地球的计划。

4、《第九区》