写一首流行歌曲不外于两种途径：一是依照写好的歌词谱曲，二是依照已有的曲子填词。要想写一首内容好、好唱又好听的流行歌词却也要下一番苦功夫才行。从本质上讲，歌词也具有诗所具有的艺术特质、表现技法和情感特征，但它和诗之间还是有着很大的区别。最主要的原因在于，歌词为了能够配上曲子唱，在结构、语言、韵律等方面要受到音乐旋律的影响和制约，同时它又反过来制约和影响着旋律。现代歌曲自由度要小很多，不能随心所欲，海阔天空地写。而且语言要求通俗易懂，尽量避免谐音产生"畸意"；比如，在心里老是唱成"你知道我在等你妈(原词是'吗')"，那种感觉要多别扭有多别扭。本来一首很好的歌，却因为一个糟糕的谐音而"毁"了。同时，诗歌创作的经验也能给歌词创作以很大的帮助，其中最显著的就是成功诗歌的创作能使一个人的文笔更精练、更准确、更富表现力，这些对歌词创作都会有极大的促进作用。还有，需要发自内心地去写词，不要太虚伪。
写一首流行歌曲不外于两种途径：一是依照写好的歌词谱曲，二是依照已有的曲子填词；这两种方法现在都经常使用。对于许多音乐基础不足的朋友而言，作词(或填词)相对容易一些。然而，要想写一首内容好、好唱又好听的流行歌词却也要下一番苦功夫才行。许多热心而有才华的朋友将他们的歌词作品向我们投稿。可遗憾的是，我们发现其中的大部分要么是语言表达的功力还不够，要么虽然写得不错却很难谱上曲子来唱。为什么会这样呢？主要是因为这些朋友没有掌握创作歌词的方法和技巧，空有才华，却难以充分发挥。
那么，怎样才能创作出一首好的歌词呢？ 首先，我们要明白，歌词不等于诗歌。 很多朋友寄来的作品，其实只是一首现代诗，而不是歌词。有些朋友也曾问过：究竟诗和歌词有什么不同？是啊，要想写一首好的歌词，我个人认为第一时间就要分清这二者的区别。 现代诗歌与流行歌词确实有许多相通之处，二者都从很多方面突破了传统格律的限制，形式和内容都更自由。从本质上讲，歌词也具有诗所具有的艺术特质、表现技法和情感特征，但它和诗之间还是有着很大的区别。最主要的原因在于，歌词为了能够配上曲子唱，在结构、语言、韵律等方面要受到音乐旋律的影响和制约，同时它又反过来制约和影响着旋律。所以，流行歌词相对于现代诗歌而言，自由度要小很多，不能随心所欲，海阔天空地写。而且语言要求通俗易懂，尽量避免谐音产生"畸意"；比如，在心里老是唱成"你知道我在等你妈(原词是'吗')"，那种感觉要多别扭有多别扭。本来一首很好的歌，却因为一个糟糕的谐音而"毁"了。 话又说回来，流行歌词与现代诗歌同出一源，所以写好诗歌是创作流行歌词的基础。诗歌创作的经验也能给歌词创作以很大的帮助，其中最显著的就是成功诗歌的创作能使一个人的文笔更精练、更准确、更富表现力，这些对歌词创作都会有极大的促进作用。而诗歌有别于其他文体的最大特点有三：语言精练且更富有韵律，表现手法更有力度，结构更严谨。诗歌在相对较小的篇幅内要想有动人的表现力，不做到这三点是不行的，歌词也一样。有一些朋友的作品几乎像写散文诗一样自由，尽管能传神地表现内在的情感，但语言拖沓重复，甚至节奏和音韵都不整齐，这样的歌词作品即使内容非常好，很感人，也很难变成一首歌。 可以说，歌词创作：第一忌，语言不精练、不优美；第二忌，节奏和音韵不合；第三忌，语言深奥晦涩或单纯说教；第四忌，结构混乱；第五忌，平平淡淡没有高潮；第六忌，有破坏没建设的糟糕的谐音。
如何写一首好听的歌
1、学习作曲技法：比如唱一首歌曲，你会发现它的基本形态结构是有规律的。有的歌曲的段落在视觉上前后是对称的（偶数个段落），这个是作曲讲究的"对称统一的美感"。
有的歌曲在听觉上的音高或节奏（快慢）有着明显的不同，这是作曲技法"对比"。 有的歌曲（段落/乐句）前后似乎有些一样或不完全一样，这是作曲技法“完全重复/变化重复”。
2、学习和声知识：通常我们听的歌曲都有伴奏，伴奏就涉及到和声，所以要做一首曲子，还应该兼顾它的"和声走向"。
而和声走向中最核心的即是根音走向，在音乐里我们可以把根音理解为贝司弹奏出来的重低音。如仔细听一些流行歌曲，你会发现不同的歌曲里面的和声走向有些是重复的，所以我们也可以照搬别人的和声走向，或加以变化来并为己用。
其次要了解的就是最基本和弦种类"正三和弦"，即简谱中每个音类似于“1、3、5”三个音叠加起来的这种关系，它是伴奏中最常用的。
3、了解音的性质：在简谱中就是：1-主音，2-上主音，3-中音，4-下属音，5-属音，6-下中音，7-导音这七个音各自在音乐中呈现出来的特点。
特别说下，主音是音阶中最有稳定感的音，而且歌曲通常是由主音（1）或下中音（6）开始的，结束时又将回到主音或下中音，这种模式的意义在于使音乐进行具有强烈的方向感。
以“3-中音、5-属音或7-导音”结尾往往表示音乐未完，即将进入高潮。属音对音乐引起的稳定作用仅次于主音。音阶里 对主音倾向性最强的音叫导音，它通常用在过渡到主音的连接。
写歌的技巧
1、找准自己喜欢的曲风
每个人总会有自己喜欢的歌曲，有的人喜欢周杰伦的中国风，有的人喜欢张学友的情歌，有的人喜欢五月天的摇滚，当找准自己喜欢的歌曲风格后，就可以从自己喜欢的曲风里找感觉。
2、学会模仿
很多人写的歌曲都是盗版，这就是模仿的过程。最简单的方法就是拿别人写好的曲子，自己填词，自己翻唱。模仿是创作歌曲的一个简单的方法。在模仿的过程中，掌握一些歌曲的最基本的技巧和要求。
3、尝试自己加入创意
当通过模仿掌握了一些歌曲创作的基本技巧后，可尝试自己的创意。创意灵感可以来自平时的生活，也可以来自网络的段子，或者来自古代诗人写的诗词。
比如尝试写一首伤感的歌曲，没有灵感，可以去找一首宋代李清照的《声声慢》来看看，学习李清照的意境，自己模仿着填一些字进去。
怎么样写歌？
一闪一闪亮晶晶 留下岁月的痕迹
我的世界的中心 依然还是你
一年一年又一年 飞逝仅在一转眼
唯一永远不改变 是不停地改变
我不像以前的自己 你也有点不像你
但在我的眼中你的笑 依然的美丽
日子只能往前走 一个方向顺时钟
不知道能爱多久 所以要让你懂
我依然爱你 就是唯一的退路
我依然珍惜 时时刻刻的幸福
你每个呼吸 每个动作 每个表情
到最后 一定会 依然爱你
（依然爱你）
我不像以前的自己 你也有点不像你
但在我的眼中你的笑 依然的美丽
日子只能往前走 一个方向顺时钟
不知道能爱多久 所以要让你懂
我依然爱你 就是唯一的退路
我依然珍惜 时时刻刻的幸福
你每个呼吸 每个动作 每个表情
到最后 一定会 依然爱你
（依然爱你）
我依然爱你 或许是命中注定
多年之后偶然 偶然都无法代替
那些时光 是我这辈子最美好的
那些回忆 依然无法忘记
我依然爱你 就是唯一的退路
我依然珍惜 时时刻刻的幸福
你每个呼吸 每个动作 每个表情
到最后 一定会 依然爱你
你每个呼吸 每个动作 每个表情
到最后 一定会 依然爱你 赞同4| 评论(1)
怎么创作歌曲
全国范围内现在玩原创大多数都不是专业出身，因此本人认为在这里我不会跟你讲什么调式，什么定律。这些东西对于玩摇滚与一般的现代音乐来说并不能起到决定性的作用。相反我认为你过分的执着这些东西只会让你的创作力变得平凡无奇，所谓原创就是开发你自己的东西可知道？好，让我为你们找来一些必要的工具（它们只是工具。）、
昨晚我跟上帝通过电话，他老人家明确的告诉我“莫扎特”是他错手做出的一个作品，他发誓不会再犯这样愚蠢的错误了。所以我几可肯定无论你、我、他、都不会是下一个“莫扎特”。所以你就不要怪自己鲁钝了，来。喝口酒，壮壮胆。虎山有兄弟我陪你行。
要学会作曲首先要解决四大点：
第一． 基本音乐知识。
第二． 识谱记谱
第三． 会写歌词。
第四． 最少掌握一种乐器。
基本的音乐知识。
我以最简洁的方式把这些工具都列出来意求让你能以最快的速度明了。
一：1234567＝CDEFGAB这个叫七声音阶，或者你可以把它理解为“标准音阶”。哥们，这世上所有的音乐都是从这来的，给我缠着它，死死地。
二：1，＃1，2，＃2，3，＃3，4，＃4，5，＃6，7，＃7＝1（高8度）。
这个叫12平均律，跟七声音阶不同的地方就在于它多了6个“不规则音”（你暂时把它理解为“不好听的音”）
三，高低8度，以1234567为例从1开始：
1－2－3－4－5－6－7－到这个音为止高8度。（在简谱中音符的上方有一个点的。）
1－7－6－5－4－3－2－到这里就为低8度。（在简谱中音符的下方有一个点。）
从作曲的角度来看8度的区分就在于区分一个歌手的音域。
以吉它为例，黄种人－男人：大概就是从第5弦的空弦到第一弦的第5品。这个就为止“大众音域”。（正常人都能唱到。）
同样的道理再低一点就是男低音再高点就是男高音。国内的歌手中许巍是男中低音。轮回的吴桐与超载的高旗是男高音。
女人：从第4弦的空弦音到第一弦的15品为“大众音域”。
四：音程
音程指的就是一个音与另一个音之间的度数。
1－2为全音（2度）在吉它上你可以理解为两个品的距离。
3－4为半音（半度或/二分一度）在吉它上是一品的距离。
小常识：在七声音阶中“7－1与3－4”是为和协的半音，而其它的有升号＃与降号b的音都是不和协音。对于作曲来说简单理解为“不好听的音或怪怪的音”你就会更好的理解了。（你要写好听的歌你肯定要找好听的音吧？）
在7声音阶中你可以用音程来理解会更快的掌握。12345671（高音）＝全全半全全全半。
音乐知识这些就应已足够了。你也不要问我它们是怎么来的。这是个愚蠢的问题。
识谱与记谱。
1． 调：
在简谱的左上方第一个1＝？。就是指该曲的调。
以C调为例1＝C。从吉它上讲就是我们以第2弦的第1品为1，也就是这个调的根音，主属音。
以此类推，1＝D的就是以第2弦的第3品为1（根音）。。。
在此，我不得不在中间穿插一个关于“调”的问题。只有这样你才能更好的理解什么是调。
我只一句话，你不要把调想得太高深了，对于我们做现代音乐的人来说我们只要了解它的一点点就够了
。
调只有两种形式――“固定调”与“首调”。
固定调指的是什么？―――就是C调。
接着上面的例子来印证：
1＝C，这个就不用我多说，也就是7声音阶与12平均律里的音符了。
1＝D，在固定调里面是没有这样的概念的，它只会这样理解:
1＝D等于1＝2。
看得懂吧？我给你列一下。
固定调的形式：1＝D的歌曲它的7声音阶就是2－3－＃4－5－6－＃1－2（高音）
2－3－＃4－5－6－＃1－2（高音）这个等于什么？
在吉它指板上弹一下，你会惊奇的发现它得出来的音和你在第2弦的第一品开始弹1234567的音是一样的，只是高了一点。
这说明了什么问题？很多，但我认为你只需要理解一个就可以了。
说明了调的变体只是音高上的变化知道了吧？
再到回首调，
在首调上来说：1＝D，还是1234567。为什么？
我来问你：“你不觉得看着那些＃号与b号看得很头疼吗？而且你还要去推去算你嫌不嫌麻烦”？
既然你已经发现了，调只是音高上的变化而已，那么你又何苦来由要去分辨那些＃号与降b。反正你不会理解你总会听吧？你只需要记住一点：
当我告诉你我的这首歌是D调的时候，你就以吉它第2弦的第3品为1，然后你就把它当成是C调来弹、来理解你就会明白。假如我说我的这首歌是E调你就从吉它的第2弦第5品开始弹C调的感觉，你也会明白。它们什么都没变，听起来都一样是1234567，只是音高升高。
如果这个时候你还要问我为什么不用固定调？固定调又有什么不好，那么你不嫌我话多我当然不怕你听。
再举个例，假如是固定调，而我的这首歌是1＝B的话，你用固定调的算法去推一下得出“1－2－3－4－5－6－7＝7－＃1－＃2－3－＃4－＃5－＃6”。
够不够麻烦？够不够麻烦？够不够麻烦？够不够麻烦？够不够麻烦？
相反你只要用首调的方法来看，你不管它在固定调上面是变化成怎么怎么样，你只要一确定这首歌是B调你马上在吉它指板上找到B（7）音按C调来弹1234567，全全全半全全全半这样弹，再不好理解你就可以这样做：“你找到那个调的根音后，以它为第1品”你就开始在吉它上像数钱一样数着距离来弹：“1品－3品－5品－6品－8品－10品－12品－13品”。就弹完一个8度了。是不是很准确的听到一个1234567呢？（如果这样你还不明白，我只能说上帝犯了一个更严重的错误――就是造了你出来。哈哈哈哈！你死了这条心吧！我佛慈悲。。。。原谅我。）
为什么要花这么多心机的告诉你这些？就是为了告诉你首调的好处，也就是用简谱的好处。同学们，来，我们接着上面的话继续讲
2 歌曲的速度。
在简谱的调的旁边或上方/下方通常都会有一个“小蝌蚪”＝数字。这个指的就是歌曲的速度。比如
“小蝌蚪”＝120，就是指这首歌的速度是1分钟每一秒就跳两下。
在写给人唱的歌曲中，（不包括器乐曲演奏曲。）我以我的个人经验给大家列出“慢、中、快”的定义。
60－80的歌曲为慢速
80－110为中速。
110以上的都可以理解为快歌。
3节拍。
第一个要理解的肯定是重拍与弱拍。我有两个方法保证你肯定能理解。
1 打开你的电脑或MP3播放歌曲。跟着音乐用脚打拍子，你踩下去的就是重拍。你拿起脚的就是弱拍。要是踩不准的话你就这样吧跟着时钟踩，口说“你好”。我敢肯定你每一次都会踩到“你”，每一次都不会踩到“好”。够简单不？哈哈哈！！
2 随便找份简单谱。看到上面的音符，节拍线上面的第一个音就是重拍之后的就是弱拍。
什么？你问我什么是节拍线？放心，老兄们，风出手没有办不到的事。（除了钱）我给你忧着呢！
歌曲的节拍：在写给人唱的曲子中，一般用到的就只有四个节拍。
4分音符――在简谱中音符的下面一根线都没有的。
8分音符――在简谱中音符的下面只有一根线的。
16分音符――在简谱中音符的下面只有二根线的。
32分音符――在简谱中音符的下面只有三根线的。
节拍有什么用？我告诉你，它是用来区分音符的速度的，你不用管那么多，在你音乐的感觉还不是那么好的时候你只要记住一点，当你读谱时：“看到下面节拍线越多的就越快反之则然”。
记住，一定有个好习惯,把自己的旋律用简谱记下来，哪怕是只有一句，这不单能让你更快的了解音乐与音乐知识，最重要的是你刚开始学你乐感不好，会很容易忘记，所以你一定要记。
话说回来，我认为即使是高手也有必要要记，因为随着你学习的音乐越趋复杂越趋多样，你原先所熟悉的旋律都会模糊起来，比如你学完了BLUES再去玩流行你就真的没有那种感觉。而且极有可能会破坏你原来的良好的音乐触感。搞得流行又不像流行，BLUES又不像BLUES，当然这个没有绝对。但我还是认为要记谱，坚决要记。
怎么才能写一首歌？
别处找的资料 供你参考
由于网上要求找我交流作曲心得的朋友比较多，为了避免重复打字，我特把我的观点集中表述如下：
很多朋友一上来就说他们很有写歌的愿望，问我如何写歌。我的第一感觉是这种心态太不踏实了，缺乏一种客观的态度。想写歌想作曲的愿望当然是值得鼓励的，但是如果你连自己哼出的东西都没法记录下来的话，这种想法就成了急功近利的表现。
其实写歌包括配器这个东西是个水到渠成的东西，如果你还在问我该怎么写的话，我觉得你根本就没入门，对这个音乐这个东西根本还没能力掌握。对写曲子这个想法还必须先放放，多去学习基本的东西，学到一定程度，积累到一定量，自然就会知道下一步该做什么，包括评价自己有没有作曲的能力。凡是一上来就问怎么写曲子的朋友经过我进一步了解，都是没什么音乐基础或者基础不好的朋友。不要走都没会就想飞，这是我想说的。你们需要的不是怎么写曲子，而是怎么先去了解音乐是怎么回事。
更进一步来说，写歌到底是怎么回事？很多人即使他不懂乐理是个乐盲，时常也能瞎哼出一些曲调出来（我老爸就这样，呵呵），但是他们自己不了解哼的是什么东西，所以没法记录，所以也没法跨进音乐这个门槛。而懂得记谱的人就不一样，他可以把自己或者别人哼出的曲调记录下来，比如王洛宾，于是就有这么些部分人成了作曲家，音乐家。实际你有没有作曲的能力就在于你有没有记谱的能力。
如何训练出这个记谱能力？首先你得识谱，唱的要准，歌谱的细节都很清楚。然后要练耳，包括分辨音程和分辨节奏，各种复杂的音程和节奏都要练到条件反射，一耳就能辨认。这个有点象练英语，要练到象母语的程度。当然越复杂越难辨认，但是能分辨的出复杂音程和节奏的人一定也可以写出复杂音程节奏的东西，所以想要写歌写的好对耳朵的训练要持之以恒，不断提高，而且没有尽头。练到一定程度，你听到的音乐的时候，在你头脑里反应的不是声音，而是乐谱。
更进一步，如果你不单单是能辨认音程和节奏，而是对乐曲的和弦也渐渐开始敏感了。你会渐渐发现歌曲的旋律都是建立在和声的基础上的。除了传统式的中国乐曲是先有旋律再有和声背景（也就是先有曲，再配器）以外，现代乐的旋律都是建立在严谨的和声架构基础上的。你对和声越敏感，就越会发现写好一首歌是多么不容易的一件事情，需要很强的基本功。你对和声越敏感，也就会越发现国内音乐对和弦运用手段的匮乏，听得出什么是好歌什么是烂歌。真正有水平的歌曲光从旋律上看是无非跟烂歌拉开距离的，甚至旋律还不如烂歌来的花哨。你会了解到真正有内涵的旋律是什么意思。
下面上一个层次，谈谈如何写好曲子
对写歌有经验的朋友来讲，要讨论一个写歌的趣味问题。一件事情，如果你会做，别人也会做，甚至人人都会做，那你做起来就很没乐趣。如果这件事只有你可以做，你的感觉会很不一样。写歌也是一样，如果一段旋律你想到了，但是听众也能想到，这个曲子就很没特色，或者说没什么水准，没难度。为什么说现在的流行音乐垃圾多，就是当你听到了开头就能预料到他下一句唱到什么音上面去，连你都能想出这样的旋律，那么这首歌必定不是什么好货色。现在的歌曲都是似曾相识的风格和曲调，听多了让人感觉腻味，因为它们太平常太普通了，没有新鲜感。我们写歌应该讲求一个作曲的乐趣，要写出可以抓住听众耳朵的东西，要让他们感觉到不一样，这是属于你自己的个性问题，只有你想出了这样的东西，别人不会这么想，如果你的曲子还能让别人觉得好听的话，那就说明你的水平真的很不错，这才是写歌的乐趣，要突出个性。
从另外一个角度来讲，很多人不谈各种作曲技巧，喜欢强调一个观点：“音乐是感性的，不一定非要遵从什么规律”，他们的意思是想抛弃作曲那种严谨的架构去天马行空，走出属于自己的个性世界来。照这么理解的话，不用理会那些束缚作曲的结构体系，任何人都可以玩音乐了，那你自己还能体会到乐趣吗？今天我给你一把吉他，你明天就出一张不知所云的专辑，这并不是不可以。但是会有几个人承认你这样的音乐呢？说白了，我乱写，你也乱写，大家互相不承认，这样很有意思吗？所以我个人是非常反感这种反传统的做法，实际就是想逃避音乐规则。
因此，从写歌的乐趣角度出发，我希望写歌的朋友都能在理性的约束下写出有个性的旋律出来，这才是乐趣。
最后讨论一个写歌水平的维持的问题
大家也许都注意到国内的创作型歌手都非常短命，要么就一首歌出名，要么就一张专辑出彩，很少有能维持创作水准的歌手。比如郑钧，唐朝等等。大部分人的观点有两点：1是因为出第一张专辑的时候他们的生活比较艰苦，体验比较深刻。成名后生活水平的提高引起了创作想法的变化，很多物质因素左右了他们，所以以后就平庸下去。2是因为第一张专辑是他们多年灵感的积累，成名后灵感用的差不多会枯竭，没灵感就没好歌。对于这种“物质生活论”和“灵感论”不是完全没道理，但是我觉得肯定不是主要原因。国外的乐队很多70年代就成名了，到了现在还有好的专辑和好的单曲不断涌现，难道他们作曲不受物质生活和灵感枯竭的影响？
有人问李敖“你写作需要灵感吗”他反问“妓女卖需要性欲吗”，这实际上已经说明了问题。创作不能靠灵感去维持，要靠基本功和积累。纯粹用灵感去写歌是非常累的，你不光要靠灵感想出一个漂亮的开头，还要靠灵感想出一个漂亮的过渡，然后还得灵感突发写出一个漂亮的高潮，余下每首歌都这样，这样持续下去你还能不枯竭吗？真正的写歌是借助一个动机来发展的，动机就是灵感，余下的部分是靠作曲者对音乐创作技巧和理解发展而成的。强调灵感忽视作曲技巧的人迟早要走进资源枯竭的死胡同。国内创作型歌手艺术生命短就是因为基本功和积累不够造成的。对于国外那些大师级的人物来说，他们随便信手拈来的东西都会让我们觉得深不可测，为什么？基础不一样啊！对他们来说，灵感不是什么特别的东西，只要找到一个写作的方向就可以发挥了，一切按照他们的作曲风格进行，就这么简单。
所以说想维持自己的写歌水准或者想进一步，很简单，把基础再打牢点，积累再深厚些。学习学习再学习是解决这个问题的最终办法。那种把自己关在录音棚里面闷头找灵感的方法是没有效果的。
暂且先写到这里，欢迎各位朋友批评指正
续1：
关于写歌，我的确是可以告诉大家我自己的一些心得（而且我也曾经在这里贴过，但是反响并不算太热烈，我不知道是深奥了，还是说的不对）。我可以这样反问你，如果你今天告诉你一系列写歌技巧，你明天就可以写的出歌曲吗？我之所以发上面的一篇帖子，就是想告诉大家，写歌是积累，就算我告诉你我知道的全部，你也不可能变得跟我一样。这是典型的知易行难。你如果真想要学习怎么作曲，自己可以找些和声理论，配器知识的书籍来慢慢研习，然后还要不断的练习听力，提高耳朵对各种音程和声以及节奏的敏感程度。但是有几个人会去踏踏实实的去这样做呢？还不是都是希望从我这里得到一些攻关秘笈，一步登天。我已经说的很清楚了，如果你还在问我怎么写曲子的话，请先放下写曲子的想法，去了解音乐的基本概念。总有一天，你会自然醒悟，原来作曲就是这么简单。我现在能做的只能是帮你指路，而不是拖着你走路。
在我的经历当中，我好像从来没问过别人怎么写曲子，甚至弹吉他也是，我也从来没有过老师。但是如果你思想能够走在你的技术前面，你下一步的路自己已经就看的很清楚了，不需要特别有人指点。相信我，世界上的好东西都是建立在踏实的作风和基本功上的，多加强基本素质的训练会让你无师自通。
续2：
可能这里有很多人不屑于那些学院派的专业老师，也不屑于学院派的那套东西。但是一旦你了解到了学院派的东西，会发现自己以前是多么狂妄。毕竟作曲的这一套理论和各种训练已经经历了多少个世纪多少个音乐天才的发展和研习，产生了这么多经典令人匪夷所思的作品。要想否定它的作用，还轮不到我们这些半瓶子水的小青年。
学院派的这套东西之所以不被大家看好，是因为国内的学院派作曲人没出过几个好东西，实践能力不行，又不屑于写流行的东西，有点象学武成了武痴，反而变的不通事理看不开了。但是大家走出去到国外看看，情况完全不是这个样子。很多好东西在国内就是存在误解的，比如摇滚，在国外是很正常很主流的，在中国就是另类和社会混混的象征。学院派这个东西也是这样。
另外上面有人谈到作曲要不拘泥于规则，要创新等等。我觉得这里分为一个有意识和无意识的问题。如果你打破这种常规是有意识的，我想这是无可厚非的，因为你明白本来规则应该是怎样的，只是为了表达需要而特意设定的，实际上这里又产生了属于你自己的一种新规则。但如果你是无意识的打破了常规，我想这只能是归为一种错误，就好比唱卡拉ok跑调了还没感觉，这不可以美其名曰是不拘泥规则或者创新。拓展开来说，玩另类的应该首先搞清楚主流是什么，先理解和掌握主流的各种规则，然后再进行另类的创作；玩punk的朋友也要先练好技术再来玩粗糙的，这样感觉会很不一样，有种得心应手而又有乐品的感觉。
总之，我强调的是，先理解掌握它，再打破它颠覆它。而不是什么都不懂或者半瓶子水就开始谈打破和颠覆，那样是制造混乱而不是音乐。
续3:
其实那两三首歌能写的出来，也是你积累的结果，它们集中体现了你的学习成果。在一定学习成果的基础上，灵感就光顾了你。就好像你现在已经爬上了个小山坡，这个山坡上的任何资源就可以供你调用了，但是一个小山坡上的东西毕竟是有限的，用了一段时间就会枯竭。然后你得爬上更高的一个山峰上去，这时比这个山峰低的各种资源你都可以用到了。当到了大师级的水平，那真的是“会当临绝顶，一览众山小”的感觉了，天底下的资源你都是可以用的，什么时候会枯竭？到你老死的那天都不一定用的完。
我们活着为了音乐就是向上爬的过程，而不是坐在土坡上等着山上的苹果砸下来。
在创作中，我特别强调理论功底，为什么？因为中国人缺这个。中国人可以很聪明，可以很有灵感，可以有大音乐家的潜质。但是我们薄弱的音乐基础不得不让我们在起点上就输给老外。中国是个不善于理论，讲求感性的的民族。你不要跟我说感性是音乐的根本，感动人才是最关键的，因为我觉得你根本就不理解音乐是怎么来的，你所觉得感人的那些音乐是怎么创作出来的，创作者是站在一个什么基础上才能有这种感人的作品的。理论究竟是不是你所想象的那么死板，那么限制灵感，那么限制自由。你有多少理论基础，有没有享受过理论基本功给你带来的好处？这些都是需要中国的音乐创作者思考的问题，你们在学习吗？在进步吗？以下是我关于理性和感性谁比较重要的帖子：
1
感性是创作的源泉,理性的技巧是服务和协助! 这样的句子很漂亮，但是不实用
我的感觉是天赋和理论都是不能偏废，在创作中，灵感先于理论到达，但是不能说明灵感比理论更有分量。好比你选择一个女朋友，长相是门槛，但是并不是最重要的，性格可能才是你最终选定的最重要因素（当然是在长相符合你的标准的情况下）
创作也是这样，灵感或者说感性的东西就是一个门槛，没有这个门槛什么也别谈，但是过了这个门槛就要看大家的功力的深厚了，这个功力是日积月累的音乐鉴赏，听力和理论各方面的沉淀。有人有很好的动机，很好的感情，很好的灵感，但是没有办法继续完和这个灵感同样出色的余下部分的创作，说明他还是个业余创作家，理论沉淀还跟不上。而真正的艺术创作家总是可以抓住一个小小的动机把它发展的非常感人和出色。实际上大家对理论有些误解，喜欢把它书本化，其实它恰恰就是发挥听觉的艺术一把利器，把最好听的音符给挖掘了出来。而很多时候，这些音符光凭一腔热情是找不到的。所谓的音乐大师哪个不是高深的理论大师，他们是天赋和深厚基础的完美结合。
过于强调天赋和灵感很容易让人对理论产生排斥，觉得凭自己的小聪明不需要特别用到什么理论也可以写出不错的作品。但实际上仔细听过这些作品以后，发现艺术性还是不够，走的路子比较野（当然有人会说比较自由），但是长此以往，很容易走入死胡同，创作生命不够长久。在国内，能谈的上创作生命长久的音乐人少之又少，为什么？都是灵感突发类型的，总有江郎才尽的一天。而如果有个深厚的音乐沉淀情况就不一样，一个小小的灵感可以充分扩展成一首完整的曲子，不需特别的再灵感突发把余下部分完成，否则会是相当累的。
我很欣赏国外的流行乐创作是百花齐放的，既有学院派的（比如很多**插曲），也有很多野路子的（比如摇滚类的）。但即使是野路子的创作者也是有着深厚音乐沉淀的，只是风格不同于学院派的套路而已。但是他们通通都是理论的大师，加上他们的音乐创作理念比较受听众的认可，所以出名，而且可以水平不降低的一张接一张出专辑，这种现象跟国内是两回事。
总而言之，感觉国内流行乐还是轻理论，踏踏实实学习的人少，想马上写好歌出名的人多。跟学术界一样，浮夸。
一家之言，或许有偏颇，但是是我的切身感受
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音乐中感性和理性哪个占第一位的问题有点象唯心和唯物主义关于物质和精神哪个第一的争论。似乎公说公有理，婆说婆有理。其实这是事物不可割裂的两个方面。一个音乐作品在一定的框架内形成，在这个框架内有着自己的思想。拿开框架谈思想或者离开思想去搭框架都是毫无意义的。去强调任何一方的重要性都是正确的观点。但是需要警告的是，不可以轻视任何一方，如果你忽略了对感性或者理性任何一方的培养，它必将成为创作当中的瓶颈。照理说，我对这两方面的发言应该是平均用力的，但是我没有这么做。我特别强调理论是基于现在某些普遍现象的考虑。这些现象需要解释一下，大家就自然明白我的用意了。
从我的亲身经历出发。我教吉他，教过不少学生，上的大都是初级的内容。大家知道，初级当中学习乐理的重要性和练习弹奏的重要性是一样的，双方应该平均用力。但是如果给定一定时间的练习时间让学生自己去练，绝大多数学生一定是选择练习弹奏吉他，而不是视唱练耳这样的音乐内功的练习。以至于到了最后，会弹出声音的人多（而且弹的还不难听），会调弦会识谱的人少。这是为什么呢？因为懒惰二字。他们的懒惰不在手上，而是在脑上。学习乐理及听音的基本功显然更象是一种脑力劳动。当他们将时间用来练习弹奏时，实际上是不想动脑筋（尽管他们可能意识到学习乐理和视唱练耳可以使他们事半功倍）。所以如果我不做特别的强调，或者是同一性的强调双方的重要性，导致的结果很可能就象以上我说的这种情况，到最后不懂音乐只懂弹奏。于是我每次都会把乐理和视唱练耳提高到超过练习弹奏的高度上来，要求他们全力重视（当然我不会担心他们不练习弹奏）
实际上大家也会发现类似的现象，很多人弹奏吉他运指如飞，但是却合不上拍子，弹的没有音乐的感觉，所谓的脑子跟不上手就是这样。他们对于技巧的练习并不缺乏，甚至是饶有兴趣。但是他们却厌恶乐理，即使知道这样不对，他们也不愿意花大力气来改观。这就是我所说的脑子上的懒惰。
联系到创作音乐上来，很多人自诩为有天赋，有感觉，有经历等等一切的感性元素。强调感性是主要的，理性是次要的或者是辅助的。我看到的却是另一层意思，是他们想避开缺乏理论基础的现实。其实天赋和感觉是摆在那里的，烙在你身上的，有多少就是多少，生活体验也是随着时间的推移就慢慢沉淀下来的，不需要特别费力的去学习。反而是音乐内功这种东西，不静下心来，没有学习的精神和毅力就不会进步的东西是最难于突破的。那么我不强调这些动脑的，和毅力有关的东西还能强调什么呢？
大家不要把音乐看成是简单的发挥自己才华（客观）的工具，它也是你学习精神（主观能动性）的一种体现。如果你能写的出真正的艺术作品，那不仅是你天赋的体现，更加是你努力学习音乐的结果。音乐不是投机，是踏踏实实的学习。
最后要说的是，大家听着自己喜欢的音乐，感叹这样的音乐真正是感性的作品，可以如此的打动自己。但是请不要忘记作者在写这首作品以前做的大量的理性准备工作，他们都是经过辛勤的脑力劳动，听磁带，扒谱，学习，体会等等之后，才结合自己的个人经历写出这么一首动人的作品的。有谁见过天赋很高，但是音乐内功差的人写出很动人的作品吗？这不难推理出，音乐创作的水平和音乐修养的水平是成正比的。天赋再高，体验再多的人，如果他不继续补充音乐内功，也很快陨落下去。
总结我的观点，感性和理性对于音乐都是重要，但是需要特别强调理性，因为它是真正的音乐家和音乐投机分子的分水岭
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从中外音乐的各种对比来强调音乐当中的理性：
首先要褒扬我们国家的文化，博大精深。但是很多文化到了如今，很多人都不明白是怎么形成的，到底是依据一个什么样的道理，遵循什么样的规则。最明显的例子莫过于易经，易经对于人类认知世界的价值早已得到众多中外专家的认可。但是两千多年前的古人为什么可以比现在的人更懂得世界呢？他们有没有什么规律留下让我们去重新推算一遍，从而可以了解古人的想法呢？很遗憾，没有。中国的文化是重感性，轻理论的。很多时候只要用出来是对的就可以了，而这些方法具体是怎么推导出来的似乎并不是很重要。
转移到中国传统音乐上来，也是这样。很久以前，就有专家分析说民乐不善于总结，没有形成理论体系，这一定程度限制了民乐的进一步发展。不能说民乐达到的程度不高，但是相对于西方音乐严谨的结构和逻辑，民乐总体来说是比较写意的，比较感性的。其实民乐和西洋乐追求的境界根本就是不一样的，两者的统一必定是十分困难的一件工程。小弟自问没有能力做到，所以现在只能就民乐讲民乐，就西洋乐讲西洋乐。
如果是在大唐盛世，全世界以中国文化为主流，今天我们就要大谈感性。但是很遗憾，现在我们听到和进行创作的音乐都是以西方古典乐为基础的衍生类型。主流是西方乐，我们就不得不认真研究西方乐的结构，这对于我们讨论的题目才是有意义的。
有一种不成文的说法：“巴赫的音乐包含了音乐所有的可能性”。巴赫的音乐就是西方乐的基础，欧洲音乐之父的称号也就是这样得来的。不知道，大家研究过巴赫的音乐没有。我研究的不多，但是我知道巴赫是根据一个个小小的动机，利用各种算法和理论进行移调，变奏，倒映等等。从而把一个只有短短半分钟的主题发展成一个长达十几分钟甚至半个钟头以上的完整曲子。这些曲子不会让人觉得单调，反而是趣味横生，精巧的不可言语，发挥到了听觉效果的极致，而且同样甚至更好的表达作者的情绪。
由巴赫音乐为基础发展起来的西方乐都是强调理论的，讲求结构，织体，和声等等。学习西方音乐，首先要了解的就是一系列的作曲技巧。现代西方流行乐其实也离不开这个大体的框架。虽说现代乐的鼻祖是由黑人的blues演变而来，但是西方作曲家们在参透黑人音乐的精髓后，加入了传统的作曲技巧（当然也根据需要改变了一些理论体系），因为他们的骨子里还是西方音乐的。我们现在所听到和了解到的现代流行音乐就是西方作曲思路和杂糅各种民族的表达方式（比如blues）的结合体
举个例子，都说Eric Clapton的blues弹的好，但是除了那些绚丽的solo，你是否曾经注意过Clapton的作曲套路，他从前奏开始到发展，到高潮，再返回原来的主题到底用了多少次转调？这些复杂的作曲套路在我们国家的流行乐当中还是个稀罕物品。中国的流行乐不要说多次转调，能有一次转调就说明作曲者水平很高了，而且通常还不是在高潮，而是在bridge过渡部分转到原调的关系大小调上面去。Clapton所有精彩的感性的solo都是建立在这样一个复杂的和声进程的基础上。而我们崇拜Clapton的那些琴友大都只看到了那些精彩的solo，而忽略了他理论方面的基础和沉淀。
类似这样的例子可以在其他任何一个高水平的西方流行乐当中找到。只要你的音乐听力各基础够好，你应该可以听出西方乐和中国流行乐之间的档次差距在什么地方。只要你注意到了中西方流行乐中的各种细节对比，你也可以发现我们国内作曲人创作的思路是多么简单、贫乏和粗糙。
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下面抽空来谈谈感性，我对感性的理解主要有两点：
第一，我在前面已经讲过，只有感性的人才能写出好作品，而这个作品的主题是什么并不重要。
大家知道艺术是来源于生活，高于生活的，这很对。比如我们看精彩的电视剧，大都是情节曲折，浪漫，奇巧的构思。这样被我们称作戏剧性，影视作品或者一切的表演艺术都是讲求戏剧性的，这样才能称之为生活的典型。但是实际生活中，这样的情节是不太可能出现的，哪有那么巧的事情，哪有那么浪漫的爱情，哪有那么单纯或者坏的人。生活就是平平淡淡，偶尔一点小波浪，不太可能象电视那么夸张（不排除极个别巧合）。音乐也是这样，它所表现的情绪都是人类情感的极致。正因为它表现了最极致的东西，才会感动听众，让听众感受到音乐的震撼。但是音乐的作者本身的生活却不都是这么极致，他们都是普普通通的人。但是他们与平常人不同的是，他们善于抓住这种极致的感觉，这与他们感性的性格是分不开的。他们比普通人更容易体会到感情上微妙的东西，也是经历各种事情以后的自然结果。这也就是通常所说的生活体验。艺术家需要去体验生活，是为了培养他们更加细腻的情感，而不是单纯的叫他们到生活当中去寻找主题或者素材来进行创作。不要以为只有失恋的人才配写失恋的歌曲，如果他音乐内功不深，听上去还不是真正意义上的好音乐。一个感情细腻到可以似乎身临其境的体验到失恋痛苦的，但是从来没失恋过的音乐家同样也是可以写出好作品的。
如果我的这个看法成立的话，这就可以给创作者很大的创作空间。许多非现实的题材都可以拿来创作。金庸写武侠他怎么去体验生活？重回古代去了解那些血雨腥风吗？显然不可能。他只能凭自己已有的经历，情感和认知观去写他从来没经历过的事情了。大量的艺术作品其实就是在作者不曾体验的情况下诞生的。我不同意把理论书本化，同样也不同意把体验和感性局限化。
第二，什么样的人写什么样的歌
这个道理很简单，学生唱清纯的歌，愤青唱极端的歌，穷人唱大众的歌，富人唱小资的歌。但是经常在我们身边会发生角色错位，让人看着好笑。
举个例子，不少上了大学的懂点摇滚和音乐知识的都想搞乐队，而且唱得都是愤青的歌。其实他们穿的好，吃的好，又不是没有女朋友，生活的这么好干吗唱这么愤怒的歌。原因无非有两点，一是想出风头，赶时髦，表明自己很先锋。二是因为他们平时就是喜欢听这样的音乐，也希望可以做这样的音乐。但是他们忘记了自己的思想和感受没达到愤怒的地步，在这么安逸的情况下还唱这么痛苦的歌是不是有点勉为其难。
要知道，喜欢归喜欢，但是创作音乐的时候还是要做回自己，以自己经历和感性程度作为基础，结合作曲技巧来创作。不要一味主观的追求某种风格，忽视了自身的“阶级地位”。假装深沉或者假装清纯都是令人作呕的。
我对国内流行音乐的现状的一些看法，主要是针对学院和政治对音乐的影响：
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实际上，我总是觉得国内的流行音乐创作是存在误区的，以至于这么长久以来，除了我们的个别摇滚可以让大家打起一定精神来听，其他听的更多的都是欧美的甚至是日韩的流行歌曲。究其原因，个人觉得是国内的创作层次太单一而且比较低，我们国家音乐学院内对真正意义上的流行音乐的创作研究实际是个空白。看看学院派这些写歌的，谷建芬，徐沛东等等写的都不是现代感的流行音乐，而是我们所称之的通俗歌曲，走的是中年人的路线。而真正创作年轻人流行音乐的又基本是土八路出身，街头流浪歌手转身变成了作曲家，仅仅创作了几首歌以后就消声匿迹，让人感觉江郎才尽，最明显的就是李春波，郑钧一类的。而真正学院派出身，有着正统音乐沉淀比如汪锋、窦唯类的还算是出成果比较多的，创作生命也相对长久一些，但可惜他们又不是专门学习作曲理论的，只是学习传统音乐的时候业余搞搞摇滚什么的，总不能达到登峰造极的地步。总而言之，中国是学习作曲的不创作流行，创作流行的不是专业作曲家。虽然这么一竿子打死有失偏颇，但是这样的现象还是普遍存在的。这不能不说的我们国家音乐学府里面的一个疏漏，让我们的听众不得不去崇洋甚至是哈韩哈日。
说了这么多，其实目的还是集中在一点，就是希望现在正在从事流行歌曲创作的朋友们可以认清我们国家流行音乐创作水平不高的现实和原因，从提高自身的音乐修养和音乐理论着手，走出一条正统的大道来，把我们的流行乐从民间拉回学院，这样我们的音乐就复兴有望了。
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我的观点是中国的政治或者文化改革都有自上而下的传统，而自下而上是很难形成坚实的生长土壤的。
群众的呼声再高，得不到当权者的支持也是白搭。只要权威发话，就可以产生一阵流行风。上面的人重视就意味这个行业会得到特殊的发展。下面的人重视顶多一阵骚动，想持久的继续下去是难上加难的。
流行音乐就是这么个东西，下面的群众喜欢，在搞在弄。上面的学院里面的人却不屑于搞（排除个别，比如三宝一类），也就是说流行
教你如何写流行歌曲
歌曲写作教程
歌曲写作教程（一）———整体构思篇当自己在电脑音乐中跌打滚爬了几年后，总想写点自己的东西。但做出来的东西，不是曲调呆板，就是大致雷同。怎么办？学呗！在哪学呀？在在在------------，好了，废话少说，今天由我给大家主讲一下了。一． 确定歌曲体裁。歌曲体裁是一个十分广泛的概念。它主要包括有：抒情歌曲、群众歌曲、舞蹈性歌曲、叙事歌曲、劳动歌曲、幽默诙谐歌曲等，也有的人按艺术歌曲、通俗歌曲等分类。但我还是喜欢用第一种分类。当你拿到一首歌词的时候，你一定要看一下这个歌词适合哪一种体裁，而不能随便张冠李戴。抒情歌曲的特点是：情感味较浓，一般用于个人演唱，节奏应富自然感，曲调应起伏跌宕。如：《春天的故事》、《小白杨》等。而群众歌曲的特点是：多用于合唱的形式，节奏应趋于方整，曲调简洁明快。如：《没有***就没有新中国》、〈〈中华人民共和国国歌〉〉等。舞蹈性歌曲的特点则是：节奏应赋于典型的舞曲节奏。如：〈〈大坂城的姑娘〉〉、〈〈编花篮〉〉等都是具有明显地方风格的舞蹈性歌曲。叙事歌曲是象叙事文一样把事情叙说的歌曲。其特点是：节奏平和、方整。曲调平直而少大的波澜，大有娓娓道来之感。当然还有其他歌曲，我就不一一说明了，大家多听、多写、多总结。一定会大有收获的。二． 确定歌曲曲式。曲式也就是歌曲的结构。常见的曲式有：一段体，就是一段同样的旋律重复不同的歌词。二段体：就是由二个相似或完全不同的部分组成的歌曲。如AB、AA等。三段体的结构有：ABC、ABA、ABB等不同的形式。三． 确定歌曲情绪。当你确定了歌曲曲式后，就要对歌曲的情绪有个大概的构思。是轻快、是沉重，还是舒展、是急促，是朦胧还是明朗，是宏大还是细腻，这都需要你去品味，去挖掘。这个和音乐欣赏有点关系，请你多听一些有名的曲子，以提高自己的音乐鉴赏能力。为歌曲创作打好基础。这也是为歌曲的速度和拍子提供有力帮助的依据。四． 确定歌曲速度。歌曲一般分为快、慢、中三个速度层。快的速度一般表现欢快、激昂的场面。如：〈〈喜洋洋〉〉、〈〈辣妹子〉〉等。而中速一般表现抒情、叙述的场景。如：〈〈我爱五指山，我爱万泉河〉〉等。慢速则表现悠长、沉重的心理特征。如：〈〈铁蹄下的歌女〉〉、〈〈梅娘曲〉〉等。速度可以用一分钟多少拍来表示，一般记在乐曲的开头处。五． 确定歌曲节拍。当确定了歌曲的体裁和速度后，下面咱们来看一下歌曲的节拍。节拍常用的有四四拍、四二拍、四三拍等。四二拍的特点是：节奏强弱交替，快速时表现欢快的场面。如：〈〈歌唱祖国〉〉。而慢速时表现坚定有的情绪。如《打靶归来》四四拍的特点是：四二拍的复合而把第二个重拍淡化，从而使歌曲更富有抒情性。如：《草原之夜》。四三拍的特点则是：有动荡、摇摆的感觉。如：李琛的〈〈窗外〉〉。这个在华尔兹乐曲里表现的很明显。当然八三拍和四三拍同样有摇摆的感觉。只是八三拍比四三拍更加不稳定。不妨听听〈〈相约九八〉〉。好了。今天该下课，祝大家学得开心、热心、细心。我们的口号是：多读、多写、多听、多唱。
歌曲写作教程（二）[推荐] 一、为旋律配和声的一般程序在大小调和声中，I、V、IV三个和弦习惯上叫做正三和弦，是构成各类和声序进的基础。掌握了原位正三和弦的使用方法之后，就可以进入为旋律配和声的课题了。正三和弦的变化形式以及其他的和声材料，将在配和声的实践过程中逐步地加入。为旋律配和声的一般程序是：1旋律分析通过分析，明确旋律的调、调式和简单的曲式结构。2和弦选择确定从旋律开始至结束的每一个音的和弦配置。这并不意味着必须按音符的先后次序去选择和弦。人们通常是首先在旋律的开端、乐句的结束，以及那些最富于和声暗示的旋律片断上开始工作。这些部位的和声设计，有似于一个建筑物的骨架，会产生全局性的影响。骨架搭好之后，再根据已有的和声条件，去为那些尚未有明确选择的“中间地带”作和声填充。和弦选择，是为旋律配和声的最重要的、同时也是最困难的一个环节。一个旋律音往往可能有多种选择，随着学习进程中和声材料的积累，这个问题会越来越复杂。与和弦选择直接相关的，还有和声节奏、和声风格等方面的问题，必须花大力量加以解决。3低音设计 低音是四部和声的“第二旋律”，应力求流畅、完整和富于个性。低音线条必须在和弦选择方案所规定的范围内活动，同时还要受到教学进度的严格限制，但这正是锻炼自由写作能力的有效途径。适当的跳进（不超过八度）可以增添线条的活力，但不宜使用同一方向的连续跳进（以四、五度分割八度所构成的同方向跳进不在禁止之列）。4填写内声部平稳、流畅，是四部和声两个内声部进行的基本原则。此外，还必须考虑到和弦音重复与省略的正确性，合理的排列，声部的音域限制，避免各种不良的进行（平行八、五度，声部交，声部超越，四部同向）等问题。有时候，往往会因为某一声部进行上的困难，而不得不对已有的低音设计、和弦选择方案作局部的甚至是较大范围的调整。
歌曲写作教程（三） [推荐] 键盘和声音型——柱立式 一比一四部和声键盘化的练习，是循序渐进地锻炼键盘即兴伴奏一条有效途径。键盘化的实质是音型化，就是将根据人声合唱要求编配的四部和声，改变成适合于某种键盘乐器演奏的音乐织体。键盘织体的核心是和声音型，是由节奏和音高组合而成的多声部音乐元素。键盘化的和声音型的形式极丰富，一般可划分三大类别：柱立、分解式、和声华彩。本只介绍柱立式、一比一。柱立式，指的是个弦的全部因素在键盘上同时奏出和声音型。音响本身，其实并不存在“立”或“卧”的区分。“柱立”，是对这种声音型记谱样的形象表述。一比一，是关于音型节奏的概念，意为一个弦只占据一个节奏单位。将四部和声改变成“柱立状、一比一”音型的主要任务，是把四个声部合理地分配给键盘乐器的左右手。最方便的形式是左手弹奏低音声部，其他三个声部由右手负担。为此，所有的弦都必须用密集排列，以便于右手弹奏。由此而可能出现的任何“不良进行”，都可以不必计较。如果出于音乐的需要，而且演奏上也有把握时，还可以为低音和旋律声部分别地或同时地增加八度重复，由此可获得更丰满的音响。这样的重复，不属禁用的平行八度之列。“柱立式、一比一”音型，还可以用琶音来装饰。这种形式能清晰地展示和弦的音高构成，宜用于较抒情、清新的旋律陪伴。
关于学习作曲，作词的过程，我个人有一些见解，希望能给你们帮助。第一： 先学作词，后学作曲创作音乐作词要比作曲简单的多，词在歌曲中的作用是在优美旋律的衬托下表现出思想的渴望，向往，伤情，欢乐等内心世界的种种欲望。生活中我们天天在说词用词，作词和写诗差不多。一首歌词在压韵的前提下需要展现出内心世界的变化，只要自己的写作水平可以写歌词应该没问题，多看诗歌也对作词有很大帮助。第二： 词可以引导曲关于歌曲的形成有两个方面，一是先词后曲，二是先曲后词。一首歌词完成后，曲的形成可以按照词的语态变化，词中意境的发展进行谱曲，这样一来曲的旋律可以充分结和词的意境进行发挥，优秀的作品都是词曲完美融合的结果。第三： 作词可以培养作曲因为大家都是初学者，好多朋友连最基础的乐理都不太清楚，没有良好的乐感就无法创作出优美动听的旋律来。先学作词需要聆听大量的曲子，这个过程无形中培养了自己的乐感，为今后作曲也奠定了良好的基础。
回答者：jayqin - 试用期 一级 4-6 10:20
1首先，大部分的歌都是先拿到词再写的。由此，至关重要的就是要先研究歌词的意境。往往有的人很失败，比如《六月的雨》。旋律和歌词极端不协调。
2研究好歌词后，不要忙着去拼和弦。把词背下来，等到有灵感的时候一首词甚至可以写出几个版本的曲。
3当有灵感的时候，根据一条旋律，把一整段都哼出来。因为如果老是断断续续的就会让一首歌有不连贯的感觉。而且一定要死记下来，有可能你一辈子只会想到这么一次某条旋律。记旋律的时候，千万不要按照音的高低关系，如果这样，当你下一次想起来时，你记得那个高低关系但肯定会把音程的关系忘了。记旋律只需要在脑子里面很长时间的重复哼就行。就像我，上课的时候就为了一两句音乐经常被老师骂，要么就是没听课不会做作业，重做！但是还是值得的。
4当旋律全部谱好以后，再来规划整首歌的结构。或者穿插一些RAP，比如《发如雪》中间的那些。结构有时候也会起到很大的作用。
5编曲（伴奏），这需要一些和弦的知识。一首歌的制作只有这一步需要死用和弦。如果是钢琴伴奏，一般先变出右手弹的，在根据右手编左手的。千万别傻乎乎的编出什么四联手弹。如果是吉他之类的，比较简单，把和弦的进行走向弄好基本上就OK了。和弦要与主旋律及自己声音的高低相协调。如果是多种乐器，和弦方面的用得更多。如果要在平淡中找到特别和突出的感觉，就是看个人的功底和音乐修养问题了。至于和弦的详细问题，一言难尽，以后专门说说。
6和声，和声其实也就是起个衬托主旋律的作用。需要注意的是一般的和声我自己感觉声音都很缥缈。不对不对，有很多放在末尾的和声部分都是明显两个声音在唱，像《以父之名》《米兰的小铁匠》等等。
7差不多准备好后，就要录音了，一般的录音笔肯定不行。网上有很多录音的软件都还不错。推荐一款：Cool Edit Pro 相对较实用，操作也不难。
歌曲的歌怎么写
睡醒了，继续写，呵呵。新手们作曲，很容易是因为喜欢某人的音乐，或只是因为简单的喜欢某首歌，而渴望自己也能写出类似的作品来，其实这个就是快速确立自己风格的缩影，只是你是无意识的罢了，那么自己是否能写出来这类风格的作品呢？呵呵，答案是不一定！为什么？因为因人而异，我们知道音乐是感性的东西，每个人的感觉存在着很大的差异，音乐本身就包含了各种音乐风格类型流派，流行，rap,rnb,摇滚，乡村，布鲁斯，拉丁等等，也许你喜欢某种音乐，但因为自己接触的环境，听到歌曲很杂，还有就是自己所受的专业训练基本没有，等等各方面的原因，所以你写出来的，跟你想的，也许不一样，有时差别很大，呵呵。新手们是不是有这个感觉？那么有办法解决吗？答案是―――有！！！很兴奋吧，^_^好了，确立自己想搞某种音乐后，（P/S:俺本人想学多种风格的作曲怎么办？），怎么办？都这么办，呵呵，比如你想学rap，那么你就要把现在以及过去流行的一些rap类作品，不管中外，集中起来一起听，我想这个大多数人都做过，听歌跟玩儿一样，本身就爱好嘛，呵呵，但是当你想学rap作曲时，还是要请记得用你的脑袋去听，去记，端正一下你的态度，否则，你的音乐，在专业的人眼里，永远都是业余，^_^那么你听听什么，记又记什么呢？听是用你的感觉去听，记是用你个人的理解去记忆！！！当你把这一类的作品听的差不多了，记得也差不多，那么打开你的乐理书，找一些这类rap的相关专业评论文章，翻到对这类音乐作品的相关理论评述，自己再慢慢消化理解，就会事半功倍，为什么要看乐理书，看专业的评论呢？因为你的感觉，你的记忆毕竟是有限的，随着时间的推移，记得不同类型的歌曲也会越来越多，大脑随时也会荡机，哈哈，而乐理与专业的评述，就是前人专家们总结的精华，它是经过长期考证，是推不倒的真理，呵呵，也就是把某类作品风格，去繁就简，给你高度浓缩，做了一个概括性论述，你结合着自己所听到的音乐，把自己想要了解的那段音乐文章吃透了，乐理也就差不多就懂了，那么以后就算你不听rap了，别人让你马上写一首rap类的歌，你也会跟喝白开水一样，五分钟搞定，而不必再抱一堆rap类的作品，再来一次临时抱佛脚^_^很多新手不学习乐理，基本上都有这么一个说法，认为学习了乐理以后，就是对自己作曲思想的禁锢，以后的作品再也不能天马行空了，写的东西会跟专业的一样垃圾，呵呵，这个说法成立吗？答案是不成立！你看到的只是表面，实际上任何事务都有各自的极端，不懂乐理的，作品永远也都带着局限性，以后越写越没有灵感写。痴迷乐理的人，简单的歌，也会把它写的复杂，越写越离谱。呵呵，这个就是度，要自己来把握，需要学的必须学，而且还要学好了它，不需要学的，看看就行了，偶尔需要的话，翻翻书了解一下，大家将来的志愿也不是当音乐老师，乐理学的那么高深苦涩难懂，跟本没必要，但最起码的基础还是要学习。说个小故事，刚毕业时。我在酒店实习上班，单位组织义务抽血，一人200毫升，生平第一次，当时第一感觉就是，会不会我的创作才华，随着那200毫升血，流到别人身上了。为此，抽完血后，忧郁了很长时间，感觉就是没有创作灵感，就是写不好歌，状态一蹶不振，一直到有一天，我跟着一首KALAOK歌曲，即兴唱出了另一段旋律，感觉非常精彩，我才知道，原来我的才华还在^_^，原来这个就是心理暗示的作用在作怪，所以新手们千万不要被自己的心理暗示所左右，音乐感觉不会随着抽血就没了，同样不会因为你学了乐理就没了，写不好了，呵呵,不是有这么一句俗语吗,"流氓不可怕可怕的是有文化的流氓",改改也可以这么说,"乐感好不可怕,可怕的是既懂乐理又有乐感!!!"^_^个人的音乐作曲成长路程，我17岁的时候，就是靠感觉，很简单，把自己想的旋律用录音机录下来，当然，那时候只是爱好，也没跟别人学作曲，21岁的时候，我买了平生的第一把红棉吉他，^_^，不过那时也没有学多少乐理，只是学的吉他和弦（其实，那也是乐理的一部分），自己自娱自乐的用吉他谱曲写歌了。23岁的时候，第一次对midi音乐有所了解，那时才开始学的基础乐理。（P/S：老大的乐理，现在一定很牛吧,羡慕ing），其实现在乐理还是初级，只是我的音乐工作室里，随时放着一本乐理书，以备参考^_^ 年纪大了，心有余而力不足啊，我正式搞专业的音乐是去年底，也就是我29岁的时候，现在有些东西不是说学会就能学会的，工作压力大，哪有空闲时间学呢？现在听听我23岁以前，不懂乐理所写的歌，只能笑笑，当个美好记忆罢了，大都不值得花时间去整理出来，新人们自己就比照着我，暗地里发狠，去发粪涂墙吧，哈哈。。。。。。。。
歌曲的歌写法：横，竖，横折，横，竖，横，竖，横折，横，竖钩，撇，横撇，横钩，撇，捺。
基本释义 ：
1能唱的文辞或歌曲：诗歌。民歌。
2歌唱：载歌载舞。
详细释义：
歌 [gē]〈动〉。
(形声。从欠,哥声。从“欠”,表示与口有关系。本义:唱)。
1同本义。
歌,咏也。——《说文》。
歌者,长引其声以诵之也。——《说文系传》。
不鼓缶而歌。——《易·离》。
歌永言。——《虞书》。
歌咏其声也,长言也。——《礼记·乐记》。
曲合乐曰歌,徒歌曰谣。——《诗·魏风·园有桃》传。
昔者,舜鼓五弦,歌《南风》之诗而天下治。——《韩非子·外储说左上》。
楚狂 接舆歌而过 孔子——《论语·微子》。
乃歌夫“长铗归来”者也。——《战国策·齐策》。
如优孟摇头而歌,而后可以得志。—— 清· 黄宗羲《柳敬亭传》。
又如:对歌(一问一答地唱歌);高歌(放声歌唱);歌吹(歌唱,吹奏);歌鼓(歌唱并击鼓);歌戏(歌唱嬉戏)。
2歌颂,赞美。
故近者歌讴而乐之,远者竟竭蹶而趋之。——《荀子·儒效》。
诗人歌功。——扬雄《赵充国颂》。
又如:歌功(颂扬他人的功德);歌思(歌颂思慕);歌叹(歌颂赞叹)。
3奏乐;伴奏。
歌于斯,哭于斯。——《礼记》。
往往会倚嫔御歌,必为奇巧声动上,由是得幸。——宋· 王谠《唐语林·雅量》。
